benzol mag.

[Platten] Kettcar - Zwischen den Runden

2012-02-17T04:08:00.000-08:00

Kettcar sind wieder da. Mannomann. Seit dem Vorgänger "Sylt" sind jetzt ja auch knapp schon vier Jahre vergangen. Wie schnell die Zeit vergeht, kann man durchaus auch an den Release-Dates seiner Lieblingsbands erkennen. Wie klingen nun also Kettcar 2012 im Gegensatz zu Kettcar 2008?

Der Frischling aus dem Grand Hotel van Cleef hört auf den Namen "Zwischen den Runden" und beginnt mit "Zurück aus Ohlsdorf" und einer traurigen Geschichte. Auch "Rettung" verlegt sich auf Storytelling und Momentaufnahmen-Lyrics. Die Single "Im Club", zu der es übrigens auch einen ziemlich guten Clip gibt, öffnet dann schließlich die Arme um die ganze Welt einzufangen. Der Song ist übrigens mit "Der apokalyptische Reiter und das ratlose Pferd", "R.I.P." und "Schrilles, buntes Hamburg" einer der wenigen Stücke der Platte, die im bekannten Kettcar-Mid-Tempo daherkommen.

In den übrigen acht Stücken auf "Zwischen den Runden" passt sich die Instrumentalfraktion den eher grüblerischen Texten an. Akkustikgitarren, Klavier und Streicher. Getragene und ruhige Atmosphäre im Stile eines "Am Tisch" oder "Balu". Nur leider geht das nicht immer so klar, wie in zwei eben genannten Beispielen. Durch die schiere Masse, dreht sich der markante Sound und kündet schon fast von einem gänzlichen Stilwechsel.

Tja, doch wie singt es Marcus Wiebusch: "Es muss immer alles komplett verwertet werden, wenn es komplett verwertet werden kann". Wenn man das tut, dann bleibt unterm Strich ein ziemlich gutes Album. Kein Meilenstein. Macht aber nichts, Kettcar sind immernoch eine tolle Band mit einem tollen neuen Album. Nur eben halt ein bisschen anders als gewohnt.

www.kettcar.net

VÖ: 10.02.2012 auf Grand Hotel van Cleef / Indigo

[Platten] Hello Piedpiper - Birdsongs = Warsounds

2012-02-14T07:21:00.000-08:00

Schon allein für das tolle Cover und den Titel zu "Birdsongs = Warsounds" gehört der Kölner Songwriter Fabio alias "Hello Piedpiper" beglückwünscht. Kaum hat man die vierzehn Stücke des Albums gehört, will man wieder in wildes Händeschütteln verfallen, denn die Musik steht der optischen Aufmachung in nichts hinterher.

Feinste Folkperlen, die sich allzugern mit Countryelementen verquicken, ergeben eine feine Mischung, die man sich gerne auf seinen MP3 - Player, für den bevorstehenden Roadtrip, zieht. Vorbei an sonnendurchfluteten Getreidefeldern hält man an der nächste Tankstelle und holt sich seinen Kaffee im pappigen Becher, um den neuen Tag zu begrüßen. Dazu hat man "Birdsongs = Warsounds" im Ohr und fühlt sich wohl.

Americana aus Köln. Daumen hoch.

http://www.hellopiedpiper.com/

VÖ: Frühjahr 2012(?)

[Platten] Anti-Flag - The General Strike

2012-02-06T09:21:00.000-08:00

Im noch jungen 2012 sind sie also wieder zurück. Anti-Flag. Mit ihrem achten Studioalbum rufen sie offiziell zum "General Strike" auf. Ein Titel der gleich mal klarstellt, dass die Jungs um Justin Sane immernoch nicht müde geworden sind, mit dem erhobenen Zeigefinger unterwegs zu sein und auf fette Politiker und Wirtschaftsbosse zu zeigen.

Verpackt ist die Message in zeitgemäßen Punk, der ordentlich nach vorne geht und auch nicht davor zurückschreckt teilweise auch ein bisschen in Richtung Schwermetall zu schielen. Geschickt, jede Menge Themen wie soziale Ungerechtigkeit in eingängige Melodien zu verpacken und so seine Attitude auf "spielerische" Art und Weise an den Mann zu bringen. Da sind sich die Amis auch für den ein oder anderen Bierzelt Ohoho-Chor nicht zu schade. Aber egal.

" The General Strike" knallt und macht verdammt viel Spass. Wenn man sich dann noch Gedanken über die Lyrics macht, umso besser. Peta-Supporter, Anti-Nazi-Aktivisten. Und obwohl Anti-Flag auch mittlerweile Promo und Produktion einem fetten Label überlassen könnten, wurde das Teil in bester DIY-Manier selbst produziert und vermarktet. Ein Album einer symphatischen Band mit einer Menge Engagement. Sehr gut.

Anti-Flag gehen übrigens bald auf Deutschland-Tournee und mit so einem Album im Gepäck lohnt sich der Besuch des ein oder anderen Konzerts auf alle Fälle.

www.anti-flag.com

VÖ: 20.03.2012 auf SideOneDummy / Cargo

[Platten] Noise Capital - Ghost Army

2012-01-30T07:57:00.000-08:00

Das Plattencover und der Titel von "Ghost Army" versprühen eher den Charme einer Metalcoreplatte. Dunkle Landschaftsszenerie und ein eher düsterer Titel erinnern an Geknüppel und Weltschmerz.
Doch die vier Tiroler von Noise Capital und deren Musik ist meilenweit entfernt von böse und innerlich zerrissen.

Sie selbst beschreiben ihre Mucke als "modernen, alternativen Rock, kompromisslos arrangiert und gespielt". Hmm, ja, das sagt dem geneigten Hörer genausoviel wie eine komplette Klasse Taubstummer. Nämlich garnichts.

Und langweiligerweise ist die Musik der Österreicher ebenso nichtssagend. "Everything's a game" und "We hunt you down" meinen es gut, verarbeiten aber auch nur bereits Bekanntes in insgesamt sechs Minuten Musik. "Limousines" rettet die Motivation, die zwischenzeitlich darüber nachgedacht hat flöten zu gehen, mit einem ohrwurmigen Refrain.

Der Rest des Albums versinkt dann aber leider wieder in einen Zustand zwischen nettem Schulterzucken und genervter Unruhe.

Versteht mich nicht falsch. Schlechte Musik klingt anders. Interessante aber leider eben auch.

www.noisecapital.com

VÖ: 30.01.2012 auf Finest Noise / Rebeat

[Platten] Teletextile - Glass

2012-01-23T10:13:00.000-08:00

Hier liegt es also vor mir. "Glass", das aktuelle Album von Teletextile. Nie gehört. Also die Band. Das Album schon. Und das ist auch gut so. Denn wer das nicht macht, dem entgeht durchaus die ein oder andere musikalische Perle.

Der Opener "I don't know how to act here" eröffnet mit einem nervösen Drum and Bass -artigen Schlagzeug über den Sängerin Pamela Martinez mit reizender Stimme, die entfernt an KT Tunstall und PJ Harvey erinnert, singt. Der Song schlurft sich durch Handclaps bis er schließlich in "Nelly-Furtado-zu-Folklore-Zeiten" artige Gefühlsausbrüche mündet. Klingt gut.

"What If I" wartet mit Harfe und Minimalinstrumentierung auf, um dann auf einem späteren Track als "What if you" in getragener Atmosphäre wieder aufzutauchen und nebenbei als Single-Auskopplung eines Massive Attack Albums durchgehen zu können. Unüberhörbar unterstützt die über weiten Strecken eher spärliche Instrumentierung, die eigentliche Sensation des Albums und das ist nun mal die Stimme von Martinez. Variantenreich eingesetzt formt sie ein durchaus abwechslungsreiches "Glass". Gerade in höheren Tonlagen ist das Ganze vielleicht ein Spur zu anstrengend, insgesamt kann man sich ohne Reue in dieses Album und die dazugehörige Band aus New York verlieben.

www.teletextile.com

VÖ: 14.10.2011 auf Lilli is Pi / Broken Silence

[Neuigkeiten] Musik mit Raketenrücksäcken - We Were Promised Jetpacks auf Tour

2012-01-06T03:59:00.000-08:00

Die vier Indie-Rock-Schotten von We Were Promised Jetpacks kommen mit ihrem Neuling "In The Pit of the Stomach" auf Tour nach Deutschland. Schon mit ihrem ersten Album "These Four Walls" konnten sie nicht nur unter Kritikern aufsehen erregen und landeten sogar in den US Billboard Heatseekers Chart auf #27. Sie gingen des Weiteren mit Frightened Rabbit und Jimmy Eat World als Support auf Tour und waren in diversen US-Serien als Hintergrundmusik zu hören. Nicht entgehen lassen!

27.01.12, 21:00 Uhr - Das Bett Frankfurt

Ticket

[Neuigkeiten] The Maccabees - Gut Ding will Weile haben

2011-10-15T05:09:00.000-07:00

Die famosen Maccabees haben sich mit ihrem neuen Meiserwerk ganz schön Zeit gelassen. Aber am 20. Januar des nächsten Jahres ist es so weit. Das dritte Album mit dem Namen "Given To The Wild" erscheint. Gearbeitet wurde mit Bruno Ellingham und Tim Goldsworthy (LCD Soundsystem, Massive Attack) als Produzenten. Beeinflusst wurde die Band bei ihrer Arbeit laut eigenen Aussagen von The Stone Roses, Kate Bush und David Bowie.

[Platten] Rubin Steiner & Ira Lee - We are the future

2011-10-09T05:54:00.000-07:00

Rubin Steiner & Ira Lee formt das Steinchenmosaik auf dem Cover von "We are the future". Beides Namen mit denen ich nichts anfangen konnte. Der Eine (Steiner) entpuppt sich als französischer DJ und Radiomoderator, der lässig neben bei schon acht Alben veröffentlicht hat. Lee hingegen kommt aus Kanada ist Songwriter und Produzent und stand seinem Kumpel Steiner helfend zur Seite, um dessen neuntes Album zu dem werden zu lassen, was es nun geworden ist. Ein wilder Mix aus Hip Hop, Rock, Elektro.

Gesanglich klingt das wie eine Mischung aus Everlast ("The luckiest man") und Jimmy Pop ("Wack Freestyle"). Auch die musikalischen Einschläge von Billig-Disko-Beats und Akustikgitarre erinnern an beide genannten Künstler. Das Album jedoch auf die eher ausgelutschten Genres zu reduzieren käme der Sache nicht wirklich nahe. Old-School, Funk, Jazz geben sich hier die akustische Klinke in die Hand und machen jeden der elf Songs zum eigenständigen, sich nicht wiederholenden, Thema. Ein tolles Album für Leute ohne Berührungsängste.

Nebenbei erzählt der Infozettel, dass es sich beim Song "Gay & Proud" um die offzielle Hymne der Gay Pride 2011 handelt. Wieder was gelernt.

www.rubinsteiner.com

VÖ: 07.10.2011 auf Platinum Records / Cargo

[Neuigkeiten] Brit Awards Gewinnerin Laura Marling auf Tour

2011-10-01T05:46:00.000-07:00

Die zauberhafte Laura Marling kommt auf Tour nach Deutschland.

Hier live zu bestaunen:

Mon 14th – Cologne, Germany – Gebaude 9
Tue 15th – Berlin, Germany – Small Postbahnhof
Wed 16th – Frankfurt, Germany – Brotfabrik
Thu 17th – Brussels, Belgium – Witloofbar Botanique
Fri 18th – Den Haag, Holland – The Royal (Crossing Border Festival)

[Neuigkeiten] Fanfarlo mit Appetizer zum neuen Album

2011-09-27T14:02:00.000-07:00

Hier könnt ihr euch die neue Single von Fanfarlo anhören. 2012 wird dann auch endlich der Nachfolger zu "Reservoir" erscheinen. Es wird aber auch Zeit...

[Konzerte] Let's Wrestle - 21.09.2011 - Support: Fehlanzeige - Ponyhof/Frankfurt

2011-09-27T07:55:00.000-07:00

Ultimately trying to be as raw as possible and they try to write songs that make your soul crumble as well as making you smile, sing along and clap your hands. Das sagen Let's Wrestle über sich selbst. Dann sollte doch einem hochklassigen musikalischen Abend im schönen und vor allem kleinen Ponyhof doch nichts mehr im Wege stehen. Und so war es dann auch.

Die drei Londoner machten im Jahre 2007 zuerst mit ihrer Single "Song For Abba Tribute Record" auf sich aufmerksam. BBC Collective beschrieb den Song damals folgendermaßen: "The accidental 4am lovechild of eight bottles of £2.99 Merlot and a wheelbarrow full of Cutter’s Choice". Klingt äußerst sympathisch und viel geändert hat sich seither nicht. Sei es die erste EP "In Loving Memory Of..." oder ihre beiden Alben "In The Court Of The Wrestling Let's" oder "Nursing Home". Ihrem Stil sind sie sich treu geblieben. Alles immer ein bisschen Lo-Fi und roh, aber dabei niemals das Händchen für die feine Melodie vergessen. Eine Band für das vollgepackte Hinterzimmer eines Pubs in dem dann auch schon mal gefüllte Bierbecher durch die Gegend fliegen dürfen.

Der Frontmann Wesley Patrick Gonzalez betätigte sich dann auch gleich als eigene Vorband. Er spielte ein paar noch nicht veöffentlichte Eigenkompositionen, bevor dann der Rest der Band auf die Bühne kam. Die drei spielten sich durch die bisherigen Veröffentlichungen der Bandgeschichte, wobei der Fokus auf dem neuen Album "Nursing Home" lag. Ein Lächeln zauberten sie mit der Darbietung sicher allen Zuhörern in das Gesicht. Für den Sing-A-Long hat es aber mangels Chormasse dann nicht gereicht.

Herauszuheben aus dem Liedgut sind vor allem "If I Keep On Loving You", "I Am So Lazy", "In Dreams Pt. II" und der etwas ältere Track "I Won't Lie To You" (Exkurs: Hervorragendes Video mit Luftballonköpfen - unbedingt anschauen). Schmerzlich vermisst wurde jedoch "Let's Wrestle". Ohne Frage einer der stärksten Songs der Band.

Nach dem Konzert verrieten Let's Wrestle dem Benzol-Mag noch, dass sie sich bald für neue Aufnahmen ins Studio verabschieden und in der ersten Hälfte des Jahres 2012 wieder die deutschen Bühnen beehren werden. Gute Nachrichten.

[Neuigkeiten] Let's Wrestle auf Konzertreise

2011-09-11T05:10:00.000-07:00

Let's Wrestle aus London beehren am 21. September den Ponyhof in Frankfurt/Main. Das Trio besticht durch naturbelassenenen Indie-Rock mit einem Hang zu ohrwurmtauglichen Melodien. Und das sagen Let's Wrestle über sich selbst: "...ultimately trying to be as raw as possible and they try to write songs that make your soul crumble as well as making you smile, sing along and clap your hands". Das hört sich doch nach einem lustigen Abend an.

Die Band wird ihr neues Album "Nursing Home" vorstellen, welches bei berühmt-berüchtigen Gazetten wie der NME, Drowned in Sound, BBC Collective etc. mit Lobeshymnen überschüttet wurde.

[Platten] Talking To Turtles -Oh, The Good Life

2011-09-02T03:12:00.000-07:00

Bei einem Blick auf das Cover von Talking To Turtles‘ aktuellem Album „Oh, The Good Life“ könnte man glatt auf die Idee kommen, dass hier eine weitere Band aus dünn besiedelten amerikanischen Staaten einer in der Waldhütte aufgenommenen Folk-Platte, die den perfekten Soundtrack für den Herbst bieten könnte, den Weg in die Plattenregale gebahnt hat. Mit diesen ersten Annahmen liegt man nur teilweise ziemlich daneben.

Die aus Claudia Göhler und Florian Sievers bestehende Band kommt nämlich zwar aus Berlin, hat aber nach dem Erfolg ihres Debüts „Monologue“ für den Zweitling auf illustre Beihilfe zugreifen können. Ein wenig Namedropping gefällig? Aufgenommen wurde „Oh, The Good Life“ zum Teil in den Avast!-Studios in den Seattle, in denen schon Bands von Soundgarden bis The Shins ihre Platten einspielten, gemischt wurde das Ganze von Eric Corson, dem Bassist der Long Winters, und das Mastering erfolgte durch Doug Van Sloun in Omaha im Staate Nebraska wo der findige Indie-Kenner natürlich den Dunstkreis des Saddle Creek-Labels (Bright Eyes, Cursive, etc) erschnuppert.
Dabei herausgekommen ist ein wunderbares musikalisches Kleinod, welches den internationalen Vergleich nicht zu scheuen braucht. Die Mischung aus Lo-Fi-Tracks und zurückhaltendem Bombast, der oft und gerne in den Songs angebrachte Wechsel zwischen laut und leise sowie der Kontrast von verschrobenen und poppigen (im besten Sinne!) Melodien hat zwar nicht gerade das homogenste Album hervorgebracht, das man sich vorstellen kann – aber homogen ja gerne auch mal langweilig bedeuten kann, muss das bei diesem Album durchaus nichts Schlechtes bedeuten. Im Gegenteil, „Oh, The Good Life“ wirft mit potentiellen Hits nur so um sich. Gleich der zweite Track „Crumbs“ erweist sich als einer der Höhepunkte des Albums, schmeichelt sich zurückhaltend mit Gitarre und zweistimmigem Gesang in die Gehörgänge um im Refrain lauter zu werden und das Laut-Leise-Spielchen über den ganzen Track nur allzu gewinnbringend auszunutzen. Bei „Wonky Cradle“ erinnert nicht nur Sievers‘ Gesang an Conor Oberst und das darauf folgende „Grizzly Hugging“ verzaubert mit Glockenspiel und einer scheinbaren Hommage an die Shins. In „Men In Trees“ wird aus der Sicht einer Katze gesungen… - Moment, sowas gab es doch schonmal! Selbst wenn man sich dieses Konzept von gewissen kanadischen Indie-Helden abgeschaut haben mag, so muss sich der euphorische Indie-Pop, der in diesem Song zelebriert wird, keinesfalls hinter den Weakerthans verstecken. Die Antithese dazu bildet „Short Stories Long“, welches klingt wie in einer Wohnung aufgenommen (was es übrigens auch ist), inklusive konstantem, aber nicht störendem Rauschen im Hintergrund und zweistimmigem Gesang, den man in dieser Form so nicht oft zu hören bekommt (nämlich von Wort zu Wort abwechselnd) und welches einem in der zweiten Hälfte des Albums gleichsam die Möglichkeit zum Aufatmen gibt.

Allen großartigen Liedern eine ausführlichere Beschreibung zuzugestehen würde den Rahmen dieser Rezension wohl sprengen, wirkliche Schwachpunkte hat dieses Album nämlich keine. Ein bisschen schade ist zwar dann doch, dass man einen roten Faden nicht so wirklich heraushören kann, aber das schmälert den Hörgenuss dann doch nur geringfügig. In Qualität und Potential stehen Talking To Turtles mit dieser Platte den oben angeführten Indie-Bands jedenfalls in nichts nach. Und auch wenn „Oh, The Good Life“ spät in einem Sommer herauskam, der keiner war, so sollte sie auch problemlos den Übergang in den Herbst überstehen können und dann hoffentlich den einen oder anderen Hörer sehr glücklich machen.

9/10

www.talkingtoturtles.de

VÖ: 19.8.2011 über Devil Duck Records/Indigo

Talking To Turtles sind im Herbst 2011 auch auf Tour! Termine gibt es auf der Homepage!

[Neuigkeiten] The Sea (UK) mit neuem Album

2011-08-22T02:44:00.000-07:00

The Sea von der Insel veröffentlichen am 09.09.2011 ihr neues Album "Rooftops". Man darf gespannt sein, was einen erwartet. Die neue Single "Emily's Waltz klingt auf jeden Fall vielversprechend lässt auf ein ekletisches Werk hoffen. Erfrischender Pop mit orchestralen Einschlägen. Und auch die Wahl des Produzenten John Cornfield, der schon für Muse und Razorlight arbeitete, lässt alles andere als ein 0815-Album erwarten.

Hier gibt es Emily's Waltz zum anhören.

Im übrigen in naher Zukunft auch auf der Bühne zu begutachten:

23.08. Potsdam – Waschhaus
26.08. Bremen – Übersee Festival
27.08. Flensburg – Seaside Rendezvous Festival
24.09. Hamburg – Reeperbahn Festival
08.10. Karlsruhe – Kohi
13.10. Offenbach – Hafen 2
15.10. Clausthal Zellerfeld – Kellerclub

[Platten] Socalled - Ghettoblaster

2011-08-18T07:51:00.000-07:00

Es regnet. Nicht nur in wässriger Form vom Himmel, nein, auch durchschnittliche bis schlechte Alben in die
Regale dieser Republik. Lichtblicke wie "XOXO" oder "Take Care, Take Care, Take Care" werden entweder übermässig gehypt oder in weitaus renommierteren Magazinen mit größerer Breitenwirkung besprochen. Was bleibt da für ein Nischenmagazin wie Benzol?

Und nun taucht "Ghettoblaster" vom Montrealer Rapper Socalled in meinem Briefkasten auf und offenbart den sprichwörtlichen Silberstreif am Horizont.

Jüdischer Rap. Socalled. Noch nie gehört. Also mal die Übermaschine Google bemühen. Was dabei rauskommt ist überraschend. Das Album ist bereits 2007 in Kanada veröffentlicht worden. In der Vergangenheit gab es Kooperationen mit den Wu-Tang Leuten, es hagelt Preise und Anerkennung. In Deutschland ist Josh Dolgin alias Socalled noch nicht übermäßig bekannt. Was sich doch bitte ändern sollte.

Das Intro experimentiert mit einer Menge Samples und einem lässigen Beat. "(These are the) Good Old Days" setzt auf Blasinstrumente die jeder Balkan-Brass-Band Ehre machen und einem catchy Chorus. "Let's get wet" greift diese Thematik auf und lässt sich ohne Probleme mit Bands wie Balkan Beat Box vergleichen.

"You are Never Alone" kommt mit 20er Jahre Hook, lässig eingestreutem Klavier und Sängerin daher und fährt ganz dicke Geschütze auf. Sonntagnachmittag Klavierparts, jede Menge Raps auf Englisch und Jiddisch sowie eine schier endlose Instrumentalfraktion mischen sich zu einem Cocktail, der jüdische Tradition mit zeitgemäßen Hip-Hop verbindet und sicherlich Hörer vieler Musikrichtungen gefallen dürfte.

Da bricht er also auf der wolkenverhangene Himmel auf dem Planeten der stumpfen Tristesse. Und was da zum Vorschein kommt, macht echt Spass.

VÖ: 16.09.2011 Haldern Pop / Cargo

[Neuigkeiten] Die Urgesteine Melvins kommen nach Deutschland!

2011-07-31T08:39:00.000-07:00

Wer hätte das gedacht? Die Melvins, eines der Urgesteine der alternativen Musik aus den USA, kommen nach Deutschland. Nach Hessen kommen sie leider (noch) nicht, aber trotzdem stehen schon mal ein paar Termine fest:

9. Oktober - München / Hansa 39
14. Oktober - Erfurt / Stadtgarten
16. Oktober - Berlin / Volksbühne
25. Oktober - Bremen / Kulturzentrum
28. Oktober - Schorndorf / Manufaktur
29. Oktober - Köln / Gebäude 9

Wer weiß ob die alten Dinos nochmal nach Deutschland aufbrechen?

Wer Bock hat, den Weg nach Erfurt auf sich zu nehmen, der spitzt jetzt die Öhrchen:

Das Early-Bird-Ticket gibt es im Zeitraum vom 15. - 21. August in einer limitierten Auflage (60 Stück) für 20 Euro!
Schickt dazu einfach eine Mail an tickets@eineweltaushack.com oder schaut gleich im Woodstock Recordstore vorbei, wenn ihr mal zufällig in Erfurt seid.
Ansonsten könnt ihr aber auch im VVK ab dem 22. August zuschlagen, hier kosten die Tickets 24 Euro und kommen im schönen Siebdruck in eure Hände.
Natürlich wird es auch eine Abendkasse geben, darauf sollte man aber nicht vertrauen. Preis: 26 Euro

Hier nochmal alle Fakten:

Melvins, 14. Oktober, Erfurt Stadtgarten
Aftershow Party mit MoHa! und ein paar DJ's

Weitere Infos gibt es auf: http://www.eineweltaushack.com/

INFO: Habt ihr keine Lust auf Internetversand? Ihr könnt auch eine Mail an erik@benzol-mag.de schicken und mit etwas Geduld klappt das auch.

[Neuigkeiten] Heavy Rotation.

2011-07-31T05:59:00.000-07:00

Das gefällt im Moment:

[Platten] AWNS - AWNS

2011-07-28T07:30:00.000-07:00

Erfurt ist ein wahrer Brutkasten für interessante Musik. Das dort ansässige Label Marbach Records scharrt einige ebenso illustre wie tolle Bands um sich. Zentralheizung of Death, Mukra oder Beagle Vieh. Schräge Namen, die ebensolche Musik repräsentieren. In Erfurter Gefilden wird in Lo-Fi experimentiert das der Schädel raucht.

Aus eben jenem Dunstkreis bildete sich nun auch AWNS heraus. Eine Zwei-Mann Kollabo, die auf ihrem selbstbenannten Album dreizehn Song und knapp 35 Minuten lang ihrem scheinbaren Lieblingsinstrument, dem Schlagzeug, viel Platz einräumt. Und das ist gut so. Drums, Bass, Samples, Gitarren und Gesang, eine simple Mischung mit großer Wirkung.

Vollständige Songs, wie das großartige "Only Lonely Zero", das nah am Post-Rock gebaut ist, wechseln sich mit eher groben Entwürfen und eher skizzenhaften Soundkollagen ab.

Die Drums sind gewöhnungsbedürftig in den Vordergrund gemischt, der Gesang kommt wahrscheinlich gewollt eher dünn rüber. Nicht schlimm, sitzt mit dna ein überaus fähiger Mann hinterm Schlagzeug. Wer auf der Suche nach leicht zugänglicher Musik ist, der sollte einen Bogen um AWNS schlagen. Für Leute mit Sinn fürs Extravagante ist die Scheibe mehr als empfehlenswert. In den Zeiten von Online-Communitys wie Bandcamp sei einfach mal jedem angeraten in das komplette Album reinzuhören und sich sein eigenes Bild zu machen.

http://awns.bandcamp.com/

VÖ: 03.06.2011 auf Deficiency

[Platten] King Oliver's Revolver - Gospel Of The Jazz Man's Church

2011-07-13T08:49:00.000-07:00

Ein ziemlich schickes, an mexikanische Folklore erinnerndes Cover ziert die Hülle von "Gospel of the Jazz Man's Church". Einem Album dessen Musik bunter und interessanter als eine Tüte voller Haribos ist. Doch wie beschreibt man dem unbedarften Leser (und potentiellen Hörer) die Musik der Stockholmer von "King Oliver's Revolver?

Eins steht fest, Artwork und Titel sind stark biblisch angehaucht. Ein Faktor, von dem ich selbst nach Lektüre der Lyrics, noch nicht vollständig sicher bin, ob das Ganze ironisch oder ernst gemeint ist. Ich tippe und hoffe auf Ironie und gebe der Musik eine reelle Chance.

Und siehe, da öffnen sich interessante Klangwelten. Jazzpinte trifft auf staubigen Saloon trifft auf swingenden Sinatrasound. Minimale Instrumentalisierung wechselt sich mit orchestraler Besetzung ab. Keiner der 14 Songs gleicht dem anderen. Das klingt nicht mal gezwungen, sondern ziemlich lässig und aus einem Guss. Zwar kommt der Verdacht auf, dass dem Album ein roter Faden fehlt, aber genau dieses vermeintlich fehlende Konzept scheint das Konzept zu sein. Die Musiker toben sich aus, laden Gäste ein und fideln, blasen oder zupfen sich durch das Album.

Zwanzig Musiker, ein Album.

Wer vor dem Begriff Weltmusik und der Musik des frühen letzten Jahrhunderts nicht zurückschreckt, der sollte sich mal einen oder mehrere Hördurchgänge gönnen.

www.kingoliversrevolver.com

VÖ: 08.07.2011 auf Waggle Daggle / Broken Silence

[Platten] Kumpelbasis - Der Luxus unter wilden Tieren

2011-07-13T08:43:00.000-07:00

"Wer das zum ersten Mal hört und nicht sofort mitgeht, hat keine Ohren, kein Hirn, kein Herz oder alles drei". So preist der Promozettel vom neuen Kumpelbasis Langspieler "Der Luxus unter wilden Tieren" das Teil an. Na da bin ich ja mal gespannt. Der Opener "Zyprinus" klingt stark nach Gassenmucke wie den Troopers oder 90er Jahre Onkelz.

Gerade Sänger Toxic Stevie klingt nach einer Mischung zwischen Atze und Kevin. Textlich gehts in bester Punkmanier gegen die Langeweile, den Staat und auch gerne mal gegen die deutsche Mentalität. Vermeintlich brisante Themen in simple Reimschemen eingepackt. Da zucken die Schultern. Und da gähnt der Mund. Hin und wieder schleicht sich auch mal ein spanischer Song ("Borracho") oder eine Dub-Trommel in den punkigen Musikalltag. Sicherlich ein Pluspunkt, um das Album in der grauen Masse untergehen zu lassen.

Vielleicht steht auf meinem gedanklichen Skateboard auch ein von Kumpelbasis besungener Blumentopf, doch unterm Strich bleibt ein rotziges aber auch verdammt langweiliges Album zurück. Themen und Melodien oft gekaut und ausgespuckt. Deutschpunk-Fans können hier dennoch gerne mal reinhören, finden hier sich nicht ihr Glück aber mit Glück den ein oder anderen interessanten Moment.

www.kumpelbasis.de

VÖ: 24.06.2011 auf Destiny / Broken Silence

[Platten] Grand Griffon - Protektor

2011-07-12T11:56:00.000-07:00

Endlich haben sie es geschafft. Grand Griffon aus Kiel und Hamburg bringen ihr erstes Album heraus. Nach der Veröffentlichung der ziemlich guten Vinyl 7" schraubten sich die Erwartungen schon recht weit nach oben. Erwartungen die letztendlich nicht enttäuscht werden.

"Protektor" heisst das gute Stück und ist eine halbstündige Emo-Hardcore-Granate mit extrem intelligenten Texten geworden. Der erste Hördurchgang bläst die Gehörgänge frei, beim Zweiten merkt man plötzlich, dass Helge Jensen immernoch auf deutsch singt und beim Dritten stellt sich heraus, dass der Gute wie seiner Zeit als Sänger von Escapado einiges zu sagen hat.

Produktionstechnisch hat sich seit der EP auch einiges getan. Zwar merkt man den Songs den DIY - Charakter mehr als an, doch sind die Songs weit entfernt von der Qualität schlechter Demos. Da geht was. Veröffentlicht wird "Protektor" übrigens über Zeitstrafe, die auch in der Vergangenheit je nachdem Brutkasten oder Nest von Perlen wie Antitainment, Trip Fontaine oder aber jenen großartigen Escapado waren. Auch das neue Küken verspricht ein stolzer Flattermann zu werden. Toll.

http://www.myspace.com/grandgriffon

VÖ: 15.07.2011 auf Zeitstrafe/Cargo

[Konzerte] William Fitzsimmons - 3.07.2011 - Support: Maria Taylor, Slow Runner - Mousonturm/Frankfurt

2011-07-05T10:06:00.000-07:00

Wieso muss eigentlich jeder Konzertbericht aus Frankfurt damit anfangen, dass man nicht rechtzeitig da war, weil man sich entweder verfahren oder keinen Parkplatz gefunden hat? Das muss aufhören. William Fitzsimmons war allerdings Grund genug, um sich durch das verstricke Monster namens Frankfurt zu kämpfen. Mit im Gepäck hatte er das Trio Slow Runner“ und die nette Dame Maria Taylor. Das Konzert fand – absolut passend – im Mousonturm statt.

William Fitzsimmons. Quelle: www.tonspion.de

Maria Taylor konnte natürlich nicht komplett gesehen werden wegen eben genannten Gründen. Was man sah, war eine selten schöne, grazile Braunhaarige Frau, die mit Akustikgitarre und Stimme ein wunderbares Klangbild dahinzauberte. Allerdings klangen die gehörten drei oder vier Lieder nun etwas zu gleich, sodass man eine große musikalische Vielfalt nicht immer bemerken konnte. Ganz anders war das bei den Kollegen Slow Runner. Beim Trio, bestehend aus dem Gründgerüst Bass, Keyboard und Schlagzeug, kommen ab und zu auch mal ein zweites Keyboard, Einspieler, elektronische Beats und diverse andere Instrumente zum Vorschein. Michael Flinn, der Keyboarder war auch Sänger und machte seinen Job richtig gut. Wer bei der Besetzung anfangs an Keane gedacht hat, sollte sich jetzt ohrfeigen. Auch wenn Slow Runner nicht so bekannt wie Keane sind, haben sie definitiv mehr musikalisches Potential. So sehe ich das zumindest. Ziemlich geil war zudem der Schlagzeuger, der manchmal am liebsten gestanden und getanzt hätte. Als er und der Bassist ab und zu mit ihren Gesangseinsätzen Flinn’s Stimme unterstützten, war’s vorbei mit mir. Gutes Ding.

Das Schöne am Mousonturm ist, das die straffe Organisation eingehalten wird und gerade mal eine Zigarette möglich war, eh William Fitzsimmons die Bühne betrat. Und siehe da, wer ist denn die Begleitband? Es waren Slow Runner, die Typen die eben noch so überdurchschnittlich gut den musikalischen Vorgeschmack zu William Fitzsimmons bildeten. Auch hier haben sie wieder mehrere Instrumentparts übernommen. Und in der Mitte, da stand er, ab und zu mit einer schönen roten E-Gitarre, ansonsten mit Akustikgitarre gerüstet: William Fitzsimmons.

Wenn ich so einem Typen auf der Straße begegnen würde, ich glaube ich würde nur schlechtes über ihn denken, weil er einfach so aussieht wie er nun mal aussieht. Würde ich ihm wiederum auf einem Festival begegnen, ich glaube ich umarme ihn und grabe meine Hände in seinen riesigen Bart. Irgendwann passiert das schon noch. Aber egal wie der Mann nun mal aussieht, sobald er anfing zu singen, war es ruhig im Saal und alle hören zu, was er mit seiner wunderbar, leisen und zerbrechlich wirkenden Stimme so daher sang. Und wenn man das nur ein paar Sekunden erlebt hat, könnte man auch mit völliger Ruhe den ganzen Abend neben ihm sitzen und einfach zuhören. Denn was dieser Typ zwischen den Liedern so zu erzählen hat, bringt einen zum Lachen, zum Nachdenken oder einfach nur zum Schmunzeln.

Er kann es, diese Unterhaltung. Wunderbar in Szene gesetzt von seinen Bandmitgliedern trällerte er dem aufmerksamen Publikum im bis zum Rand gefüllten Muousonturm fast zwei Stunden die schönsten, traurigsten, lustigsten und nachdenklichsten Lieder entgegen. Und selbst als man dachte, es wäre vorbei und er nur so nebenbei erwähnte, dass sie noch ein paar Lieder spielten, verschwand er und die Band einfach. Sie kamen nach ein paar Minuten wieder, aber etwas war anders: Der Bassist hatte sich bis auf seine Speedo ausgezogen und wurde natürlich aus dem Publikum angespornt, alle Hüllen fallen zu lassen. „He will do it, i swear to god he well do it“ war die prompte Antwort von William Fitzsimmons, der sich zwischen den Songs gerne mal mit seinen Kollegen unterhielt und so den ein oder anderen Lacher hervorbrachte. Zum krönenden Abschluss betrat Maria Taylor abermals die Bühne und alle zusammen coverten „Sweet Home Alabama“ und trällerten voller Begeisterung weitere Lieder. Und dann stand er alleine auf der Bühne, der William. Er fragte sogar sein Publikum, welche Songs noch gespielt werden sollte und spielte natürlich weiter. Einfach herrlich, dieser Mann.

Auch wenn ich das Konzert als ein bisschen zu lang einschätzen würde, war es absolut gelungen. Immer wieder mit größter Freude, auch gerne mal im Sitzen. Ich werde alt.

[Konzerte] Jimmy Eat World - 19.06.2011 - Support: Fehlanzeige - Batschkapp/Frankfurt

2011-06-25T08:49:00.000-07:00

Photo by Zach Lind

London wurde diesmal im Tourplan von Jimmy Eat World ganz besonders berücksichtigt: "Clarity" und "Bleed American" sollten bei diesem Termin in der englischen Hauptstadt komplett durchgespielt werden. Ein Traum. Die restlichen Alben der Band sind natürlich auch alle von höchstem Niveau, aber "Clarity" und "Bleed American" sind unerreicht und stellen ganz besondere Fixpunkte in der Karriere Jimmy Eat Worlds dar. "Clarity" bestach durch seine immense Emotionalität und Tiefgang der seinesgleichen suchte. "Bleed American" hingegen war für viele wie ein musikalisches Tagebuch. Perfektionistische Popsongs für jede Lebenssituation. Alles in allem sind "Clarity" wie auch "Bleed American" zeitlose musikalische Referenzwerke, die noch Jahre überdauern werden.

Daher blickte man also voller Neid auf die Briten, die in den Genuss eines solchen Konzerts kamen. Das Konzert in Frankfurt wurde relativ kurzfristig angekündigt und dies geschah ohne die Bekanntmachung, dass es sich eventuell um eine wirklich besondere Show handeln könnte. Man konnte also eigentlich davon ausgehen, dass es sich um ein normales Konzert handelt, bei dem Jimmy Eat World die Zuhörer mit einer gelungenen Mischung aus ihren bisherigen Veröffentlichungen beglücken würden. Aber manchmal kommt es eben ganz anders.

Auf eine Vorband wurde gänzlich verzichtet, so dass um kurz nach neun Jim Adkins, Zach Lind, Rick Burch und Tom Linton die Bühne der natürlich ausverkauften Frankfurter Batschkapp betraten. Mitgebracht hatten sie außerdem Courtney Mary Andrews die teilweise gesanglich unterstütze und das Keyboard bediente. "Sweep the dirty stairs / The ones I waited on". Mit dem sanft dahingleitenden "Table For Glasses" sollte der Abend also eröffnet werden. Mutig. Aber da hatten wir also den ersten Song von "Clarity". Zufall? Vielleicht. Jim Adkins Stimme klang klarer als je zuvor und schon jetzt war ihnen ihre unbändige Spielfreude anzumerken. Der Song beginnt langsam, steigert sich stetig und explodiert dann zu dem Zeitpunkt als Adkins "Lead my sceptic sights" ins Mikrofon schmettert. Traumhaft.

Ohne sich groß feiern zu lassen ging es mit "Lucky Denver Mint" weiter. Da hatten wir also den zweiten Song von "Clarity". Zufall? Jim Adkins teilte dem Publikum nach dem Song mit, dass man in den USA eine Tour gespielt und dabei "Clarity" zu dessen 10-jährigen Jubiläum komplett durchgespielt hat. Und da man dies in Europa noch nicht getan hätte, würde man es jetzt tun. Also kein Zufall. Damit hatte wohl keiner gerechnet. Verwunderung beim Publikum schlug schnell in Begeisterung um. Wer die Tracklist von "Clarity" kannte, wusste also genau was auf ihn zukommen würde.

"Your New Aesthetic" brilliert dann durch die Gesangsdoppelpässe von Jim Adkins und Tom Linton. Diese werden von Klangwänden und Melodien unterlegt, die nur Staunen hervorrufen. Spätestens zu diesem Zeitpunkt war sich jeder bewusst, dass an diesem Abend etwas ganz besonderes passieren würde. Es folgten "Believe In What You Want" und das unglaubliche "A Sunday". Es hatte fast den Anschein, als ob die Band ihre letzte Show spielte, so sehr verausgabten sie sich. Die Textzeile "Like a breath / Like a breath" von "Crush" schreit Adkins mit geschlossenen Augen regelrecht in den Saal. "Clarity" wird nicht einfach runtergespielt. Sie wird geradezu runterzelebriert. Mit dem selten gespielten "12.23.95", "Ten", "Just Watch The Fireworks" und "For Me This Is Heaven" folgte dann die ruhige Phase der Platte. "Can you still feel the butterflies / Can you still hear the last good night" sind sicher mit die bekanntesten Textzeilen aus dem Repertoire von Jimmy Eat World und das darauffolgende instrumentale Intermezzo des Songs kommt einem vor wie aus einer anderen Sphäre.

"Blister" gehört dann ganz Tom Linton und ist einer der vielen Höhepunkte eines jeden Jimmy Eat World Konzerts. "And how long would it take me to walk across the United States alone / The west coast has been traumatized and I think I am the only one still alive". Wenn der ganze Saal gemeinsam mit Tom Linton diese Zeilen singt ist Gänsehaut garantiert. Auf "Clarity" folgt dann das "Goodbye Sky Harbor". "So here I am above palm trees so straight and tall / You are small getting smaller / But I still see you". Epische zehn Minuten stehen am Ende für "Goodbye Sky Harbor" zu Buche. Jimmy Eat World verlassen daraufhin die Bühne. Und was sollte jetzt denn noch überhaupt kommen? Eines der besten Alben einer Generation wurde am Stück durchgespielt. Mit ein paar Zugaben wäre wohl jeder zufrieden gewesen. Das euphorisierte Frankfurter Publikum forderte lautstark mehr und die Band kam mit "Bleed American" zurück. Es gab nun wirklich kein halten mehr und die halbe Batschkapp hüpfte vor Freude. Aber bei "Bleed American" handelte es sich natürlich auch um den ersten Song des gleichnamigen Albums. Zufall? Vielleicht. Daraufhin folgte "A Praise Chorus". Bekanntlich der zweite Song der "Bleed American". Zufall? Jim Adkins ergriff wieder das Wort und verkündetete das Unglaubliche. Auch dieses Album sollte von vorne bis hinten durchgespielt werden. Mit Verzücken nahm der Saal diese Äußerung zur Kenntnis. Also wieder kein Zufall.

Es war eine Weltpremiere in der Batschkapp zu Frankfurt am Main. "Clarity" und "Bleed American" am Stück. Das hatte es so noch nicht gegeben.

„The Middle“, ihr bisher größter Hit, war natürlich als nächstes dran. Obwohl schon tausend mal gehört, hat der Song live keinerlei Abnutzungserscheinung aufzuweisen. Beim folgenden „Your House“ wurden der Band dann technische Probleme zum Verhängnis. Die Akustikgitarre wollte nicht funktionieren. Die Zeit wurde mit einem Gespräch mit dem Publikum überbrückt. Als die Instandsetzung komplett fehlschlug kommentierte Adkins dies mit einem ironischen „We are Jimmy Eat World – a professional rock-band“. Schade, denn es wäre sicher die neue und ruhigere Version von „Your House“ geworden, welche auf der „Bleed American Deluxe Version“ zu finden und eine mehr als gelungene Neuinterpretation ist. Die Enttäuschung über den Ausfall dieses Songs hielt sich jedoch in Grenzen, da „Sweetness“ auf den Fuß folgte. Auch hier verwandelte sich die Batschkapp in einen großen Gesangsverein und der Aufforderung „Sing it back“ von Adkins wurde natürlich nachgekommen.

Auf diese sehr euphorischen Songs folgte dann „Hear You Me“. Das wahrscheinlich traurigste und gefühlvollste Lied, welches Jimmy Eat World je geschrieben haben. „On sleepless roads the sleepless goes / May angels lead you in“. Aber natürlich war nach diesem Song die Stimmung keineswegs gedrückt, da mit „If You Don’t Don’t“ und „Get It Faster“ wieder zwei Lieder mit einer positiven Grundstimmung vorgetragen wurden. In der Batschkapp herrschten mittlerweile tropische Temperaturen, was der Spielfreude von Adkins jedoch nicht abträglich war. Und auch seine Kollegen ließen sich keine Müdigkeit anmerken. Zach Lind bearbeitete gewohnt souverän seine Drums, Bassist Rick Burch verfolgte das Geschehen von der rechten Seite der Bühne und ließ sich ab und zu ein Lächeln entlocken und der schüchterne Gitarrist Tom Linton versah routiniert und konzentriert seinen Dienst. Für die seltene, aber daher nie aufgesetzte, Konversation mit dem Publikum war wie immer Jim Adkins zuständig. Also alles beim Alten.

Dem äußerst selten gespielten „Cautioners“ folgten dann „Authority Song“ und das wunderbare „My Sundown“. „Good goodbye, lovely time / Good goodbye, tinsel shine / Good goodbye, I'll be fine / Good goodbye, good goodnight“. Die Band verschwand daraufhin von der Bühne und die letzten Zeilen von „My Sundown“ wären doch eigentlich der perfekte Schlusspunkt eines perfekten Abends gewesen. Das euphorisierte Publikum forderte jedoch wieder lautstark mehr, obwohl eigentlich niemand mehr etwas erwartete, denn jede Erwartung wurde bei weitem übertroffen.

Aber es kam wie es kommen musste. Unter tosendem Applaus betrat die Band wieder die Bühne und jeder fragte sich was jetzt noch kommen sollte. Da genauso wie „Clarity“ und „Bleed American“ auch „Futures“, „Chase This Light“ und „Invented“ zur Vita und Geschichte Jimmy Eat Worlds gehören wurde im Zugabenblock mit „My Best Theory“, „Work“, „Big Casino“ und „Pain“ eine Mischung aus eben diesen Alben dargeboten. „My Best Theory“ klingt live um Längen besser als auf Platte. „Work“ gehört nach wie vor zu den besten Singleauskopplungen der Band und besticht durch einen Chorus der Extraklasse. „Big Casino“ überwältigt wieder durch das Zusammenspiel von Adkins und Linton und das finale „Pain“ verlangt dann nochmal die letzten Kraftreserven von Band und Publikum.

Nach etwas mehr als zwei Stunden, zwei durchgespielten Alben und einem Zugabenblock war diesem außergewöhnlichen und bis dato längsten Konzert in der langen Historie von Jimmy Eat World also ein Ende gesetzt. Beim Verlassen des Saals blickte man nur in entzückte Gesichter, die immer noch nicht glauben konnten, was gerade geschehen war. Danke Jimmy Eat World. Habe ich das ganze eigentlich geträumt? Mich sollte mal jemand kneifen.

Fotos

[Neuigkeiten] Jimmy Eat World mit exklusivem Clubgig in Frankfurt/Main

2011-06-13T04:11:00.000-07:00

Tickets

[Konzerte] Long Distance Calling - 09.05.2011 - Support: Nihling - Das Bett/Frankfurt

2011-06-10T01:28:00.000-07:00

Long Distance Calling haben gerufen. Wir kommen. Und zwar am 09.Mai in den fernen Bett-Club des Frankfurter Gallus. Ein Pflichttermin für jeden der das neue, selbstbetitelte Album der Münsteraner kennt.

Hm, ne. Ein Pflichttermin für jeden der auf Instrumentalrock mit ordentlich Schmackes steht. Schon allein die Neugier ob die Wucht des Albums auf eine Bühne übertragbar ist, verleitet mich dem Gig der fünf Jungs beizuwohnen.

Als Vorgruppe fungieren die Hamburger von Nihling. Ein fünfköpfige, sehr, sehr jung aussehende Truppe, die ebenfalls auf Postrockpfaden wandelt. Drei Gitarristen, eine sirenengleiche Sängerin und einen wütenden und keifenden Sänger. Nihiling ziehen alle Register. Wie man es vom Genre gewohnt ist ufern auch hier die Songs extremst aus. Laut, leise, wütend, sanft. Oceansize grinst aus allen Poren. Tolle Mischung. Dem Publikum gefällts und dankt es dem Fünfer mit lautem Applaus und anschließendem Sturm auf den Merchandising-Stand.

Augen auf Leute, von denen hören wir in Zukunft sicherlich noch mehr. Ein Support der sich sehen und hören lassen kann.

Nach kurzer Umbaupause betreten schließlich Long Distance Calling die Bühne und brettern mit "Into the Black Wide Open" ordentlich los. Der Laden ist gefühlt ausverkauftt und platzt aus allen Nähten. Und ja, die Präsenz und die Atmosphäre des Albums übertragen sich auch live. Den Mischern ist überdies noch ein glasklarer Sound gelungen, was im Angesicht der vielschichtigen Musik und den getrageneren Parts von fast zwingender Notwendigkeit ist. Geschütteltes Haar an jeder Ecke. Die Band scheint ziemlich überrascht, aber genauso erfreut über die Reaktion seines Publikums zu sein. Fettes Grinsen auf den Gesichtern der Musiker.

So ballern sich die Jungs durch einen gesunden Querschnitt ihrer drei Veröffentlichungen und hinterlassen einen positiven, verschwitzten Eindruck. Zwei Bands, die beweisen, dass es dem deutschen Musik-Underground ziemlich gut geht. Eine tolle und beruhigende Feststellung.

Achso, das nachfolgende Video (www.knueppelknecht.de) zeigt Nihling auf der Bühne des Bett.

[Alle Fotos: Florian Grünert]

[Platten] Brat Pack - Stupidity Returns

2011-06-10T01:27:00.000-07:00

Brat Pack. Was soll uns dieser Namen sagen? Herzlich wenig. Weder erschließt sich einem der Sinn der eigentlichen Namens, noch würde man vermuten, dass es sich hierbei um eine Skate-Punk Band im Stile der Suicidal Tendencies handelt. Suicidal Tendencies in einer Zeit, in der die Kalifornier nichts mit ihren hymnenhaftigen Metalkompositionen zu schaffen hatten, sondern in denen das Gaspedal durchgedrückt und sonnengetränkter Hinterhofpunk die Szene regierte.

Das der Brat-Pack Mob aus Holland stammt, hört man den Songs auf ihrem neuen Album "Stupidity Returns" nicht an. Holland oder USA? Egal. Auch hier wird in den meisten Fällen ein irrsinniges Tempo an den Tag gelegt, was die durchschnittliche Spielzeit von zwei Minuten pro Track eindrucksvoll belegt. Zwar hoppelt das Schlagzeug in bester Punkmanier durch die Lieder, doch kommen nette Melodien nicht zu kurz. So groovt sich das Intro von "Family Man" in schönster Metalmanier mit diversen Kurzsoli ein, bevor es im eigentlich Song wieder in einen Punk-Schnellzug umsteigt. Auch "Crisis", der längste Song des Albums, erinnert eher an melodiöse Bad Religion, mit AHHH-Chören und eher gemäßigtem Tempo.

Alles in allem erinnert mich die Mucke stark die Label-Kollegen von Scheisse Minelli. Wer mal Lust auf ein rotziges Doppelpack hat, der sollte die zusammen unternommene Tour der beiden Bands nicht verpassen.

http://www.brtpck.com/

VÖ: 13.05.2011 auf Destiny / Broken Silence

[Platten] In-Flight Safety - We Are An Empire, My Dear

2011-06-10T01:25:00.000-07:00

Dunkle Nacht, ein munter brennendes Haus erhellt die Buchstaben des Covers von "We Are An Empire, My Dear". Das Album einer kanadischen Band namens In-Flight Safety, die schon seit 2004 Lieder komponiert, und die in ihrer Heimat im letzten Jahr schon mit dem East Coast Music Award für das "Alternative Recording Of The Year" ausgezeichnet wurde.

Im Jahre 2011 holt die Waggle-Daggle-Crew das Album über den großen Teich und beweist wieder einmal, dass sie einen guten Riecher für tolle Musik haben. "We Are An Empire, My Dear" klingt nach Radio. Und zwar nicht zu knapp. Der Pathos von Coldplay, ein entfernt nach Ville Vallo klingender Sänger und jede Menge weichgeschrubbter Gitarren bilden die Mixtur mit denen man nichts Falsch machen kann. Aber im Extremfall auch nicht wirklich viel Richtig. Zu groß die Gefahr vorbeiplätscherndes Gedudel zu fabrizieren.

In-Flight-Safety meistern den Spagat zwischen Eingängigkeit und interessanten Melodien. Wer sich auf diese Band einlässt braucht keine Innovationsexplosion zu erwarten, sondern bekommt Musik mit hohem Wiedererkennungswert. Hin und wieder bricht die Band jedoch aus, aus ihrem starren Korsett und gönnt sich auch gerne mal eine noisige Gitarrenbreitwand. Und genau dieser Umstand macht das Album so interessant. In-Flight Safety haben die Gabe den Hörer überraschen zu können. Gebt ihnen eine Chance.

http://www.inflightsafety.ca/

VÖ: 04.03.2011 auf Waggle Daggle / Broken Silence

[Platten] Polar For The Masses - Silence

2011-05-20T07:46:00.000-07:00

Eins muß man den Leuten vom Promo Team PopUp Records aus Hamburg lassen. Sie haben ein Händchen für locker-flockige Rockmusik aus Dänemark. Nach dem kaum zu verbessernden "Hearts&Heads" von Before The Show warten sie mit einer weiteren Band aus unserem Nachbarland auf. Polar For The Masses, die bereits ihr drittes Album "Silence" an den Start bringen.

Anders als die Jungs und das Mädel von Before The Show handelt es sich bei der Band garnicht wirklich um Dänen, sondern um Italiener. Lediglich das Mastern wurde in Kopenhagen vorgenommen. Um es noch ein wenig verwirrender zu gestalten, ist das Artwork von "Silence" schön dunkel und depressiv gehalten. Anders als die Musik, die acht Tracks und 32 Minuten entgegenschallt.

Ok, Pseudo-lustige-Fun-Mucke (toll, so viele - Striche) hört sich definitiv anders an. Dennoch gibt sich die Musik extrem beschwingt. Falls der Begriff Alternative nicht so ausgelutscht und nichtssagend wäre, dann würde er passen wie die sprichwörtliche Faust auf Nase, Augen, Ohren und Mund.

Polar For The Masses erforschen keine Klangwelten, sondern liefern soliden, hausgemachten Rock mit staubiger Produktion ab. Das mag langweilig klingen, ist es aber nicht. Italien, Dänemark und letztlich auch Hamburg good job.

www.myspace.com/polarforthemasses

VÖ: 10.06.2011 auf Black Nutria / Cargo

[Platten] Tim Neuhaus - The Cabinet

2011-05-05T05:23:00.000-07:00

Tim Neuhaus hat ein neues Album. „Tim wer?“ fragen sich jetzt bestimmt viele, doch so ganz unbekannt ist er dann doch nicht. So trommelte er bei der Blue Man Group und war bis 2004 in der Liveband von Clueso als Drummer unterwegs.

Anschließend beschloss er eigenen Songs zu veröffentlichen und hat mittlerweile mit seiner Band „The Cabinet“ drei Alben veröffentlicht. "The Cabinet", das Album, erschien am 28.Januar 2011.

Der Opener nennt sich „Troubled Minds“ und erinnert aufgrund seiner Orgel anfangs Zirkusmusik, bevor dann die Gitarre einsetzt und das ganze etwas schneller wird. Schon nach wenigen Takten ist klar: Eine sehr gute Mischung aus leichter Gitarrenmusik und nachdenklichem Text gemischt mit eingängigen Melodien. Nach dem guten Start folgt die Singleauskopplung des Albums, „As Life Found You“. Ein absolut gelungener und typischer Tim Neuhaus Song. Erste Schwächen offenbart das Album dann bei „5 Weeks“. Ein langsames Lied, das irgendwie nicht in Fahrt kommt und auch ins Ohr will. Es erinnert entfernt es an ein Schlaflied. Da ist man Abwechslungsreicheres von Herrn Neuhaus gewohnt.
Bei „Armed with a friend“ geht es dann schon etwas flotter zur Sache. Das Ganze ist auch ok aber es keimen erste Ängste beim Hörer auf, dass dies eher Gedudel gleich kommt und den Rest des Albums so bleibt. Doch „Daydream Detector“ bestätigt diese Befürchtungen zum Glück nicht. Das Lied ist zwar sehr ruhig, doch hat dafür auch sehr viel Gefühl. Gefühl, was den vorangegangen Songs abging. Ein Song, der Hoffnungen auf ein tolles Restalbum weckt.

Mit „Accidential“ kommt nun endlich wieder die Unbeschwertheit vom Albumanfang wieder. Bei leichter Gitarre und einem Beat der sofort in den Kopf geht ertappt man sich beim mitwippen. „Headdown“ gehört wieder in die Kategorie „Gefühlvoll“ und entwickelt sich dann zu einem richtig schnellen Song mit der Feststellung „funny who we are in this world“. Beschwingt durch solch heitere Töne schließt sich der folgende Song, „Pete’s Song“, nahtlos an. Das Album hat die befürchtete Langeweile abgewehrt und macht nun wieder richtig Spaß.

Der absolute Tiefpunkt kommt dann aber doch noch bei „Overgrown“, das so gar nicht ins Album passt. Hier hat man doch selbst als Freund von ruhigeren Klängen seinen Finger schnell auf der Skiptaste. Besser wird es dann bei „Fools“ das aber auch nicht komplett überzeugen kann, sich aber immerhin zum Ende hin steigert. Schlussendlich wird es nochmal richtig atmosphärisch. Das Instrumental „We were here, Right?“ ist einfach wunderschön, passt aber eher auf das letzte Album, als auf das Aktuelle. Aber seis drum. Es ist definitiv noch eine weitere Seite des Quartetts und die kann sich hören lassen.

Insgesamt ist „The Cabinet“ etwas für die Kategorie „warmer Sommerabend“. Mit einer schwachen Phase, mit nicht wirklich schlechter Musik, sondern einfach nur im Vergleich zum Rest des Albums unauffällig ist. Doch trotz dieser Phase macht die Scheibe gute Laune und sorgt auch durch die Mischung, für eine sehr schöne Stimmung. Klare Hörempfehlung.

http://www.tim-neuhaus.de/

VÖ: 28.01.2011 auf Grand Hotel Van Cleef / Indigo

[Platten] The Black Atlantic - Reverence For Fallen Trees

2011-05-03T10:48:00.000-07:00

Wer dieser Tage seinen Frühlingsgefühlen entfliehen und sich lieber in vorherbstlicher Melancholie suhlen will, der kommt an "Reference for fallen Trees" nicht vorbei. Dem neuen Album von The Black Atlantic.

Mit getragenem Klavier und Engelsgesang bringt das Intro "Baiulus" den Duft von gelben Blättern in die vorsommerlich warme Bude. Baiulus, was übersetzt soviel heisst wie Lastenträger. Und oh ja, die Jungs von The Black Atlantic scheinen eine Menge Lasten zu tragen. Lasten, die auf der Seele liegen und den perfekten Nährboden für Songs wie "Fragile Meadow" oder dem sich aufbäumenden "Heirloom". Minimalistische Lieder, die meist nur von den choralen Gesangslinien getragen werden.

Klavier, eine an Eddie Vedder erinnernde Akkustik-Gitarre und ein hin und wieder dezent eingesetzte Drums. Mehr brauchen die Jungs aus Holland nicht, um eine gepflegte Gänsehaut zu produzieren. 35 Minuten voller Musik, die viel zu schnell vergehen und die einem die Erfindung der Repeat-Taste als göttliches Geschenk erscheinen lassen.

Musik, von einem, der bei Shai Hulud gerne mal lautere Töne angeschlagen hat. Leise gehts auch, und ist doch irgendwie viel schöner. Noch schöner ist, dass man das Album beim kostenlos bei ihrem Label Midsummer Records runterladen kann.

http://www.theblackatlantic.com/

VÖ: 16.10.2009 auf Midsummer / Cargo Records

[Neuigkeiten] Rökkurró im Sinkkasten Arts Club

2011-04-20T03:03:00.000-07:00

Für alle die heute abend noch nichts zu tun haben: Die Isländer von Rökkurró kommen in den Sinkkasten Arts Club in Frankfurt/Main. Es wird eine Mischung aus Rock, Folk und klassischer Musik geboten. Für jeden ist also etwas dabei. Nicht entgehen lassen...

[Platten] Felix Wickman - Whatever Her Sins EP

2011-04-14T07:54:00.000-07:00

Da ist er ja wieder. Dem Wickman sein Felix aus Stockholm. Zurück mit einer längst veröffentlichten 6 - Track - EP namens "Whatever her sins". Und ähnlich wie auf dem Vorgänger "Dry Hands" macht es einem der Gute nicht leicht musikalische Schubladen zu öffnen und ihn in eben diese reinzustecken.

Der Opener "Photogenique" eröffnet mit trockener Westerngitarre, fordert den Protgonisten zum lustigen Gesangsstelldichein auf und verzwirbelt die eingeschlichene Marschtrommel in eine garstige Trip-Hop-Pumpe der Marke Portishead, um dann schließlich von Störgeräuschen abgewürgt zu werden. Genauso verschachtelt wie der letzte Satz ist eben auch besagter Song.

Da muten die Elektro-Folkmixturen der folgenden Songs schon fast koventionell an. Wenn sie es denn wären. Die wabernde Melodie und der stark in den Vordergrund gerückte Gesang von "Moonlight Decisions" erinnert stark an ein vergessenes Stück der Doors. In "Steal my car" wird es romantisch und das Intro von "Lions" ruft Erinnerungen an ein in rote Farbe getauchtes Album der Queens Of The Stone Age, um dann in nervöses Chaos auszuufern.

Wie beschreibt man aber die Musik für diejenigen, die Felix Wickman nicht kennen? Wo sind die rettenden Strohhalme in Form von Vergleichen und Referenzen? Wenn man will/muss, dann vergleicht man ihn mit Muse als die sich noch nicht zu schade waren Experimente zu wagen. Mit einem geistig klaren Tom Waits, der Post-Rock für sich interpretiert.

Alles nur die halbe Wahrheit. Klar. Fakt ist, "Whatever her sins" besteht aus 25 Minuten toller Musik.

http://www.felixwickman.com/

VÖ: 18.02.2011 auf Waggle - Daggle Records

[Platten] Cargo City - Dance/Sleep

2011-04-14T02:57:00.000-07:00

Erfahrungsgemäß findet der größte Stilsprung im Schaffen einer Band zwischen dem ersten und zweiten Album statt. Idealerweise hat man mit dem Debüt, oft roh und wie direkt von der Leber runter geschrieben, den Durchbruch geschafft und versucht sich bei der zweiten Scheibe an dickerer Produktion, ausgefeilterem Songwriting und überhaupt will man der Welt mit sämtlichen zur Verfügung stehenden Mitteln beweisen, dass der erste Erfolg kein reiner Glücksgriff war. Bei Cargo City hat dieser Schritt allerdings ohrenscheinlich zwischen dem Zweitling und Drittling stattgefunden.

Man könnte natürlich die Vermutung anstellen, dass das daran liegt, dass Cargo City zu Beginn ein reines Soloprojekt von Simon Konrad waren und die vier Musiker, die er sich live zur Unterstützung dazu holte, erst nach dem ersten Album fester Bestandteil der Band wurden. Mit der zweiten Scheibe „On.Off.On.Off.“ folgte dann die Beachtung durch eine breitere Masse und die Beteiligung am Soundtrack zu einem deutschen Kinofilm. Das darauffolgende Album würde also mehr oder weniger zur Bewährungsprobe vor einem gespannten Publikum werden.

Bei „Dance/Sleep“ braucht man allerdings mehrere Hördurchgänge, bis man so wirklich weiß, was man davon halten soll. Es war zu erwarten, dass Cargo City die Singer-Songwriter-Anfänge, zumal eben nun in Bandkonstellation, irgendwann hinter sich lassen würden und sich unter den Augen und Ohren einer größeren Zuhörerschaft auch einem größeren Sound zuwenden würden. Umso, nun ja, verstörender ist es dann, dass der erste und titelgebende Track auf dem Album sich nicht sofort mit einer eingängigen Pop-Melodie anbiedert, sondern mit eher düsteren Tönen beginnt – die bedrohliche Stimmung entlädt sich dann aber in einem dann doch sehr poppigen Refrain, bei dem man ohne schlechtes Gewissen an Snow Patrol und ähnliche Größen erinnert werden darf. Das darauffolgende „Not Like Us“ ist komplett von einer melancholischen Grundstimmung getragen, welche gegen Ende des Liedes in einer wunderschönen, knapp einminütigen Instrumentalbrücke (inklusive Orgel und Streichern) kulminiert. Der dritte Track mit dem großartigen Titel „Let’s Fail In Love“ verweigert sich dann wieder einer weichen Eingängigkeit und kommt lieber mit einem zweistimmig ausgetragenen Duell um das große Thema mit dem großen L daher.

Auch „The Choir“ stellt eher eine ungünstige Begleitung für einen fröhlichen Sommerabend dar und wenn man nun so langsam denkt, dass „Dance/Sleep“ lieber am Anfang eines düsteren, kalten Herbstes hätte veröffentlicht werden sollen, schlägt das verspielte „Julian“ der bislang vorherrschenden Melancholie kurz ein Schnippchen, um bei „Walk Over The Alps“ wieder auf das Rezept „düsterer Anfang, hoffnungsvoller Refrain“ zurückzugreifen. Mit „Smile At Me“ und „The Tale Of The Careless Man“ werden dann Tempo und Lautstärke runtergeschraubt, um mit „All That You Need“ einen Titel rauszuhauen, der es irgendwie schafft, sich einer besonders eingängigen Melodie zu verweigern und trotzdem astrein tanzbar zu sein. Mit dem letzten, Weltuntergangstimmung erzeugenden „Life In Reverse“ wird wieder der Albumtitel aufgegriffen – während man im ersten Lied allerdings noch „I lay back to watch her dance while I sleep“ sang, bekommt man hier unter anderem „You only sleep with the bible in your right hand, you only dance with the bottle in your left hand“ vor den Latz geknallt – nicht unbedingt die Zeilen, die Optimismus suggerieren.

Sucht man nun nach musikalischen Kleidungsstücken, mit denen man „Dance/Sleep“ zusammen in eine Schublade legen kann, muss man wohl vor allem an Conor Obersts Bright Eyes denken – sowohl in gutem wie in schlechtem Sinne. Positiv fällt einem der Ideenreichtum und die musikalische Vielfalt auf, der diese Platte trägt, neutral kann man einen eher schwermütigen Ton feststellen, der sich durch das ganze Album zieht. Schade ist allerdings, dass sich Konrad, der sonst immer eine sehr angenehme Singstimme hatte, auf „Dance/Sleep“ nur allzu oft in den Oberst’schen gepressten Nölmodus verfällt, was bei manchen Liedern zwar sehr passend ist, aber über weitere Strecken doch sehr auf die Nerven fallen kann (vor allem, wenn man diese Art zu singen prinzipiell nicht ausstehen kann).

Geht man nun auf die anfangs erwähnten Unterschiede zwischen ersten und zweiten Alben einer Band ein, kann man feststellen, dass sich hier so einige Phänomene wiederfinden. Gegenüber den ersten beiden Alben haben sich Cargo City deutlich weiterentwickelt, haben stark am Sound gefeilt und sich musikalisch viel mehr ausgetobt – leider muss man aber sagen, dass die dazugekommenen Raffinessen teilweise das Herzblut überschatten, welches man in den früheren Alben viel deutlicher heraushören konnte. Nichtsdestotrotz ist „Dance/Sleep“ ein solides Album-Album geworden, aus welchem kaum einzelne Stücke herausstechen, sondern das in seiner Gesamtheit wirken muss. Es bleibt abzuwarten, wie die angefixte Öffentlichkeit auf den Stilbruch reagieren mag.

7/10

http://www.cargocitymusic.com/

VÖ: 15.04.2011 über Rebecca&Nathan/Intergroove

Und statt ein Video zu posten, welches man an dieser Stelle trotzdem genießen kann, gibt es hier den Link, unter dem ihr den Titelsong "Dance/Sleep" kostenlos runterladen könnt!

[Neuigkeiten] Friction Fest in Berlin

2011-04-06T09:11:00.000-07:00

Einer der besten Eigenschaften an Ostern ist, dass man mehrere Tage frei hat. Und wer keine Lust hat, diese freien Tage im Kreise der Familie zu verbringen und sich den Bauch vollzuschlagen, der kann ja nach Berlin fahren! Denn hier steigt vom 21.-23. April das Friction Fest im Berghain in der Nähe vom Ostbahnhof. Das Festival hat sich zum Ziel gesetzt, eine prickelnde Mischung verschiedener Genres zu bieten, darunter Post-Rock, Instrumental Rock, Indie aber auch viel Elektro oder gerne mal Doom. Zu bestaunen gibt es dann unter anderem: Ef, Caspian, Maybeshewill, Earth, Junius, God is an Astronaut, Electric Wizard und The Black Atlantic. Wer jetzt denkt: "Geil, das wirds!" der begibt sich schnell auf http://frictionfest.de/ und sichert sich noch Karten. Auf der Homepage gibt es neben dem kompletten Line-Up auch Infos über die Location und wo man schlafen kann, falls man keinen in Berlin kennt. Benzol wünscht viel Spaß und wird sich dieses Spektakel auch nicht entgehen lassen.

Friction Fest Teaser

Ef- Longing for Colors

Maybeshewill - To the skies from a hillside

[Neuigkeiten] April im Bett

2011-04-03T05:41:00.000-07:00

Der Frühling kommt dieses Jahr mal wieder spät, aber verheißungsvoll mit sommerlichen Temperaturen daher. Da es nachts aber immer noch gehörig abkühlt, ist zumindest das Wetter keine Ausrede, um die Abende nicht damit zu verbringen, sich mit anderen Menschen in mehr oder weniger kompakte Örtlichkeiten zu zwängen und guter Livemusik zu lauschen. Und unser aller Lieblingsladen, der nach einem Möbelstück benannt ist, hat im kommenden Monat ein volles Programm zu bieten.

Unter dem breiten Angebot von Veranstaltungen, die Das Bett berherbergen wird, möchte euch Benzol die folgenden besonders ans Herz legen. Zum Beispiel ist bereits morgen, am 4.04., das australische Duo An Horse zu Gast, die unter anderem auch Tegan And Sara zu ihren Fans zählen können. Am 12.April serviert John Grant astreinen Folk, für den er bei den Aufnahmen zu seinem letzten Album prominente Unterstützung von Midlake erhalten hat. Die vier jungen Hüpfer von beat! beat! beat! bringen am 19.04. dann das Publikum zum Hüpfen, während Chris Corner, ehemaliger Frontmann der Sneaker Pimps, mit seiner aktuellen Combo IAMX und Synthieklängen am 21.April das Rhein-Main-Gebiet beehren wird. Und am 25.04. schließlich werden Escapado mit Screamo, Hardcore, oder wie auch immer man ihre Musik schubladisieren mag, zum Mitschreien und Mitschwitzen animieren.

Wer die weiteren Facetten des Aprilprogramms begutachten möchte (denn wo das oben herkommt, ist noch so einiges mehr), schaut erst vorbei unter www.bett-club.de und danach hoffentlich in der Schmidtstraße!

John Grant (feat. Midlake) - I Wanna Go To Marz

IAMX - Ghosts Of Utopia

[Platten] Peter Bjorn and John – Gimme Some

2011-03-24T12:09:00.000-07:00

Bei Peter Bjorn and John bin ich in die typische Falle getappt, die einem jene Bands stellen, die einen Superhit landen: dieser wird über alle Maßen totgespielt, man selbst hat ziemlich schnell die Schnauze voll von dem Lied, schlussendlich auch von der ganzen Band und überhaupt kein Interesse daran, sich damit auseinanderzusetzen, was deren Repertoire sonst noch zu bieten hat. Beim Anhören der neuen (und schon sechsten!) Langspielplatte „Gimme Some“ der Schweden kommt mir zum ersten Mal der Gedanke, dass ich da eventuell ganz schön was versäumt haben könnte.

Ebenjener Superhit „Young Folks“ ist nach Aussage der Plattenfirma der, nach „Wind Of Change“ und einer Alternativversion der Titelmelodie von Magnum, dritterfolgreichste Song aller Zeiten welcher Gepfeife enthält . Bei solchen Referenzen drängt sich natürlich der Gedanke auf, dass man sich stilistisch in den musikalischen Gefilden der zu Unrecht oft verschmähten 80er bewegen möchte. Tatsächlich allerdings startet „Gimme Some" mit einigen sauberen Indie-Tracks. Der Opener „Tomorrow Has To Wait“ führt einen sanft mit orchestralem Sound ein, um gleich darauf mit den sparsamen und dennoch knackigen Gitarrenläufen von „Dig A Little Deeper“, begleitet von zum Mitsingen verführendem „Oh oh“ - Chor im Hintergrund, zum ekstatischen Ausdruckstanz einzuladen. So geht es dann einige Tracks weiter und man hat das Gefühl, als hätten Peter, Björn und John sich einmal bei sämtlichen erfolgreichen Indierockbands der letzten Jahre umgesehen und gedacht „Das können wir auch – und besser!“, ohne jedoch genau den Finger darauf legen zu können, an was und wen einen denn nun dieser oder jener Track erinnert. Bei „May Seem Macabre“ kommt dann schließlich der (zumindest von mir) so heiß antizipierte 80er-Sound – Schlagzeug und Gitarren könnte man so problemlos bei jeder besseren New Wave-Band wiederfinden, jedoch ohne den dort oft anzutreffenden unterkühlten Sound, sondern sich hinwendend zur großen, hymnischen Pop-Geste. Dier Textzeile „May seem macabre, but it’s beautiful“ finde ich an dieser Stelle nur allzu passend und möchte mich sofort in ein Cabrio setzen, um in einer weiten Landschaft dem Sonnenuntergang entgegen zu rasen – der sehr abrupte Schluss holt mich dann ein wenig zu hart in die Realität zurück.

Zu schnell stelle ich fest, dass „May Seem Macabre“ nicht nur den Mittel-, sondern auch des Höhepunktes des Albums markiert und muss aufpassen, dass ich die nachfolgenden Tracks dadurch nicht zu sehr abwerte. Schließlich hat auch „Don’t Let Them Cool Off“ (der Name ist Programm!) mit seinem postpunkigem Mittelteil so einiges zu bieten und ist trotz der Tatsache, dass die Lyrics etwa im letzten Drittel des Liedes nur noch aus der Wiederholung der Titelzeile bestehen, kein Stückchen monoton. Zum Ende des Albums hin werden dann noch eventuelle Gelüste nach Schweden-Rock’N’Roll bedient (ganz egal ob man dabei nun Mando Diao oder die Hellacopters im Hinterkopf hat) um mit „I Know You Don’t Love Me“ mit einem typischen letzten Albumtrack (lang, ruhig beginnend und druckvoll endend) abzuschließen.

Und dann sitzt man da, denkt an die ganzen Hooklines, die einem in den letzten 37 Minuten um die Ohren geballert wurde, stellt fest, dass man kein Lied auf dieser Platte richtig langweilig fand und fragt sich: Können die das schon immer? Ich jedenfalls fühle mich eines besseren belehrt, was augenscheinliche One-Hit-Wonder angeht, und werde nun erst mal in die Vorgängeralben rein hören, in der Hoffnung auf die ganz große Offenbarung.

(Ich verweise an dieser Stelle außerdem nochmals explizit auf die Bandinfo auf der Seite ihres Plattenlabels – haarsträubender Unsinn und Größenwahn! Großartig.)

8/10

http://www.peterbjornandjohn.com/

VÖ: 25.03.2010 über Cooking Vinyl

[Neuigkeiten] Frühling im Sinkkasten Arts Club

2011-03-23T06:51:00.000-07:00

Der April ist eigentlich keine Konstante. Regen, Schnee, Sonne. Da ist alles möglich. Eine Konstante im April ist jedoch das außergewöhnlich gute Programm des Sinkkasten Arts Club in Frankfurt/Main. Angesagter englischer Indie-Rock, Lo-Fi-Garage aus Portland, isländischer Folk und russischer New-Wave. Da sollte doch für jeden etwas dabei sein. Tickets gibt es hier.

03.04.2011 - The ABC Club (UK)

12.04.2011 - Motorama (RUS)

15.04.2011 - The Thermals (USA)

20.04.2011 - Rökurro (ISL)

[Platten] Striving Vines - Can't Win Them All

2011-03-22T16:16:00.000-07:00

Es ist so ähnlich wie ein Déjà-vu-Erlebnis. Man nimmt eine Stimme wahr und meint sie schon mal irgendwo gehört zu haben. Und man kommt einfach nicht drauf. Genau so passiert bei den Dänen von Striving Vines. Jetzt dämmert es: Tom Chaplin von Keane? Kurzes Nachdenken. Doch nicht.

Das Rad des Indie-Rock wird in Dänemark nicht neu erfunden. Aber die Striving Vines verstehen es doch ganz gut, die hier und da neu erfundenen Räder der verschiedenen Dekaden, zu einem gut laufenden Gefährt zusammenzubauen. Jetzt dämmert es wieder: Ist es die Stimme von diesem Bellamy von Muse? Kurzes Grübeln. Doch nicht.

Der Albumeröffner „Too Much Wine“ bringt eine große Stärke der Band zu Tage. Ohrwurmtaugliche Refrains unterlegt mit feinen und manchmal melancholischen, fast verträumten Melodien. Indie-Rock der ganz angenehmen Art. Nicht aufdringlich und ohne große Posen. Äußerst sympathisch. Die gesamte erst Albumhälfte profitiert von diesem Geschick der Band. Vor allem „Anything Goes“ strahlt über allem und ist purer Zuckerguss. Es klingt fast so wie Maroon 5 in ihren guten Tagen (ja, es ist fast peinlich zu sagen, aber sie hatten diese Tage). Und ist es jetzt Adam Levine? Kurz den Kopf zerbrechen. Ein guter Ansatz, aber so ganz übereinstimmend ist das dann auch nicht.

Die zweite Albumhälfte kommt dann etwas ruhiger daher. In „Feed On Gasoline“ kommt sogar eine Violine zum Einsatz und der Closer „The End“ hat fast epische acht Minuten. Dies zeugt von einer eklektischen Band mit viel Potential. Aber jetzt habe ich es. Es ist Jonas Miller. Der Sänger von den Striving Vines. Nichts anderes. Chaplin, Bellamy, Levine, Miller – das hört sich doch gut an.

7/10

http://www.strivingvines.com

VÖ: 25.02.2011 / Strange Ears

[Platten] The Answering Machine - Lifeline

2011-03-20T10:31:00.001-07:00

Ich stecke Musik gerne in Jahreszeiten-, Städte- und Tageszeitenschubladen. „Another City, Another Sorry“, das Erstlingswerk von The Answering Machine, war die Platte für einen Sommerabend in London. Junge hippe Menschen in Röhrenjeans sitzen drinnen wie draußen in den unzähligen Pubs in Camden, trinken ein Bierchen und warten bei untergehender Sonne und warmen Temperaturen darauf, die Clubs des Stadtteils zu stürmen.

Das war „Another City, Another Sorry“. In welche Jahreszeiten-, Städte- und Tageszeitenschublade ist nun “Lifeline” zu stecken? Der Sommerabend fällt schon mal weg. Die Songs strotzen nicht mehr so vor Optimismus und sind deutlich nachdenklicher geworden. Das Tempo wurde gedrosselt. Nennen wir das ganze also eher mal herbstlich. Als Stadtschublade wäre Berlin zu wählen. Draußen fallen die Blätter von den Bäumen und die Berliner (die mindestens genauso hip sind, wie die Menschen in Camden) sitzen in den gemütlichen Cafés in Friedrichshain und wärmen sich an einer heißen Schokolade. Also ist „Lifeline“ nun die Platte für einen Herbstnachmittag in Berlin.

Man merkt The Answering Machine ihre Weiterentwicklung an. Sie sind erwachsen geworden. Wer die Band wegen ihres Indie-Pop mit akutem Hang zur Tanzfläche geliebt hat, wird sich am neuen Album vielleicht erst etwas stören. Aber wer von einer Band nicht immer das Gleiche erwartet und Experimentierfreudigkeit und Weiterentwicklung schätzt, wird „Lifeline“ schnell ins Herz schließen.

Der Opener steht repräsentativ für den neuen Sound der Band. Es ist vorbei mit den Liedern, die sich nach dem ersten Hören gleich in den Hörgang einbrennen. Es wird experimentiert und auch nach mehrmaligem Hören sind neue spannende Elemente zu entdecken. „My little navy sailing away / essentially lost in iceburgs and hours / along with my plans that fade with the day / will you stay?”. „My Little Navy“ beginnt behutsam und die Stimme von Martin Colclough klingt fast schon verletztlich. Zur Mitte des Songs hin steigert sich jedoch die Intensität, die in einem überraschenden instrumentalen Abschnitt ihren Höhepunkt findet.

„Lifeline“ fällt dann durch sein gesteigertes Tempo fast schon aus dem Raster, aber der vielschichtige Sound, der durch Synthesizer unterlegt wurde, lässt dieses Stück in das Konzept des Albums zurückkehren. Die Menschen in dem Friedrichshainer Café werden dabei unzweifelhaft mit den Füßen wippen und sich vielleicht schon über die Abendplanung Gedanken machen. Mit „Animals“ folgt ein Song mit dem gleichen Ansatz, jedoch noch ein Stück atmosphärischer und verträumter.

Bei „3 Miles“ wird deutlich, dass die Vielfalt an Instrumenten eine wesentliche Rolle in den Aufnahmen zu „Lifeline“ gespielt hat. Hier in Form eines Mellotrons. Die vielleicht nicht ganz alltäglichen Instrumente und Töne werden dort eingesetzt wo nötig und wirken nie deplatziert, sondern sind passende Ergänzungen. Und da ist der Herbst dann auch in lyrischer Form: „A somewhat different kind of autumn / And I can’t help but feel inclined“. „Romantic And Square“ setzt textlich das um, was musikalisch vorgegeben ist. Und auch hier kommt mit der Melodica ein nicht alltägliches Instrument im Chorus zum Einsatz. „Anything, Anything“ wartet dann mit einer traurigen Geschichte auf und dies spiegelt sich dann auch in der melancholischen und bedrückten Grundstimmung des Songs wieder. Der gelungene Kontrast zu „Another City, Another Sorry“, welches eigentlich nur positivistische Songs beinhaltete.

Auch die restlichen Tracks, nennen wir sie mit „Hospital Lung“, „Rules“, „Video 8“, „So Alive“ und „The End“ (wird übrigens von Bassistin Gemma gesungen) beim Namen, schwimmen im selben Fahrwasser und passen allesamt in das Konzept “Lifeline”. Weg von der Tanzfläche und hin zum nachdenklichen Midtempo-Song mit einer Vielfalt an Instrumenten, Experimenten und tollen Lyrics. Es ist Zeit vergangen seit „Another City, Another Sorry“ und The Answering Machine sind mitgegangen. Sommer und Herbst sind abgedeckt. Was jetzt wohl als nächstes kommen mag?

8/10

www.theansweringmachine.co.uk

VÖ: 21.02.2011 über Heist Or Hit Records

[Platten] Misteur Valaire - Golden Bombay

2011-03-17T14:30:00.000-07:00

"We really shouldn't take the time, but maybe just a minute wouldn't hurt." Mit diesen Worten begrüßt uns ein Sample im Opening Track des Albums "Golden Bombay". Bis zu diesem Satz vergehen zwei Minuten seltsamster Keyboard- und Sequenzerquietschigkeit, die mit Crazytown-ähnlichen Lyrics einen auf dicke Hose machen wollen. Ab dem besagten Sample wird das Ding allerdings ziemlich interessant. Holpernde Beats, Klavier, gepitchter Gesang. Schon beachtlich was in den ersten fünf Minuten aufgeboten wird, um den geneigten Hörer bei der Stange zu halten.

Die Band, die sich zu diesem Album bekennt, nennt sich Misteur Valaire und stammt aus Montreal. Kaum ebbt der Opener "Brandon Marlow" ab, wird das Tempo angezogen und besagter Dicke-Hose-Sänger aus Track 1 schnappt sich das Mikro. Big-Beat regiert die Szenerie. Um es nicht auf den Punkt zu bringen: Tanzbarer Disko-Hip-Hop mit Elektroelemente. Die Trompeten im Outro sind leider das Interessanteste am ganzen Stück. "Ave Mucho" mit Musikvideo ausgestattet, stellt eine Art Sommerhit da, hier drückt Crazytown aus jeder Membran.

"November Number 3" wartet mit der angenehmen Stimme von Fanny Bloom und relaxter Trompete auf. "Dan Dan" knistert sich mit Keyboard-Chorälen und einer (vermeintlichen) ABBA-Melodie durch seine Spielzeit. "Mojo Ego" wird von Gigi French in Muttersprache intoniert. Die fünf Jungs paddeln sich im hintereren Bereich von "Golden Bombay" frei von ihrer Hip-Hop Attitüde und gerade Stücke wie "Lillehammer", "Sweet Charlemagne", "Gordon Bombay" oder aber das vertrackte "Monster Donte", die mit Elektro und reichlich Samples auskommen, machen das Album interessant.

Mit was haben wir es also hier zu tun? Vielleicht mit einem Zwitter zwischen Hip-Hop, Elektro und Rock. Teilweise klingt das wie schlechte Neunziger, teilweise aber auch verdammt frisch. Die Band bietet auf ihrer Homepage übrigens ne Menge Stuff zum reinhören an. Da kann und sollte sich jeder einfach mal ein eigenes Bild machen.

http://blog.misteurvalaire.ca/

VÖ: 15.04.2011 über Mr.Label / Cargo

[Neuigkeiten] Festivals Rhein-Main

2011-03-13T16:51:00.000-07:00

Wer behauptet, das die Region eher eine Festivalwüste ist, der sollte sich mal die bisherigen Line-Ups diverser Festivals anschauen:

Je nach musikalischer Vorliebe seien euch das Trebur Open Air (05. - 07.August) mit einem extrem feinen Line-Up wie etwa Blumentopf, Boy Hits Car, Skindred, Beat!Beat!Beat! und anderen Knallern ans Herz gelegt. www.treburopenair.de

Eine Woche früher, nämlich am 29.07. - 30.07, gibts mit dem 12.Traffic-Jam in Dieburg ordentlich auf die Mütze. Bands, wie More than a thousand, We butter the bread with butter oder aber Polar Bear Club stellen das vorläufige Line-Up und sind Grund genug sich auf den Weg zum Verkehrsübungsplatz ins hessische Hinterland zu begeben. www.trafficjam.de

Mit einem ziemlichen Brecher als Headliner wartet das Mach1-Festival in Montabaur vom 23.- 25.06. auf. Sepultura. Auch ohne die Cavalera-Brüder immernoch Garanten für eine ordentliche Packung. Unterstützt werden die Jungs von illustren Gästen wie The Black Dahlia Murder, Terror, P.O.Box oder den U.S. Bombs. www.mach1-festival.de

Wer weniger auf die Fresse braucht und auf Street-Punk steht, der sollte das Tells Bells Festival mit den Street Dogs, Death Before Dishonor, The Mahones oder H2O begutachten. Als weiterer Headliner stehen dort übrigens Strike Anywhere auf der Bühne. Die Sause steigt am 12. und 13.08. in Villmar. www.tellsbells.de/

Junip (mit Jose Gonzales), The World Inferno Friendship Society und The Black Atlantic auf dem Phono Pop in Rüsselsheim (22.07 + 23.07.) www.phono-pop.de.

Wohlgemerkt haben wir es hier nur mit unvollständigen Line-Ups zu tun. Die Festivalplanungen befinden sich in der heissen Phase und der ein oder andere Headliner und jede Menge andere Bands werden in den kommenden Wochen dazukommen. Checkt also regelmäßig die Homepages. Ich seh es schon kommen, dass ich den ganzen Sommer auf Festivals rumhänge...und dafür nicht mal weit fahren muss. Tolle Vorstellung.

[Platten] Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts - Peregar

2011-03-10T12:10:00.000-08:00

Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts. Ein Bandname so originell wie eine Krawatte unterm Weihnachtsbaum. Die X-te Kopie der längst angebrandeten Balkanwelle. So dachte das Redakteurmännlein als es "Peregar" auf die Festplatte lud.

Pauken leiten den Opener "Zapuskaem Parusa" ein Saxophonintro mit anschliessendem Polkabeat ein. Das klingt ja schon ganz ordentlich und kaum setzt Sänger Ivan mit seiner Säuferstimme ein, sind die letzten Zweifel weggeblasen. Die Band aus Trier mit russischem Sänger mag sich in der Theorie vielleicht lesen wie ein Gogol Bordello - Klon, dies ist natürlich dem Genre geschuldet.

Anders als bei dem großen Szenevorreiter ist der Punk eher ein spärlich eingesetzter Wegbegleiter. Im wesentlichen herrscht hier die russische Folklore und der tanzende Ska. Blechblasinstrumente aller Coleur, Akkordeon, Geige werden oft und fast durchgehend eingesetzt.

Der Text des versoffenen "Alkogol - Nikotin" und das Cover mitsamt Alkoholleiche fasst die Aussage des Albums und dessen Stimmung perfekt zusammen. "Meine Schuhe haben Löcher, meine Hosentaschen auch, dafür habe ich einen wunderschönen, großen Bauch. Alkohol und Nikotin, diesen Kampf verlieren wir". Intoniert mit einer Stimme die Karotten raspeln kann, bekommt das Teil echt Charme.

Um dem ganzen Spass noch eine Prise mehr Authentizität zu verpassen, wechselt Meister Ivanovich wild zwischen deutscher und russischer Sprache.

Wer sich mal selbst von der ganzen Chose überzeugen will, der kann sich bei Last.FM ältere Songs der Band herunterladen.

www.kreml-krauts.de

VÖ: 04.03.2011 auf Sumo Rex / Broken Silence

Europäischer Musikwettbewerb im Internet

2011-03-09T10:47:00.000-08:00

Habt ihr schon vom Upload Music Contest gehört? Am 10. und 11.6. 2011 wird schon zum 4. Mal im Internet ein Gewinner unter allen teilnehmenden Musikern gekürt. Jeder kann kostenlos teilnehmen, indem er ein unveröffentlichtes (!) Musikstück auf der Homepage www.upload.bz.it hochlädt. Dabei ist es egal, ob ihr ne Dicke-Eier-Band seid oder einfach nur ein Typ mit ner Gitarre. Seit dem 1. März kann man das, aber nur bis zum 30. April, denn dann wertet eine Jury aus Musikern und Musikjournalisten die Uploads aus. Die 12 Besten werden eingeladen, um privat für die Jury zu spielen. Die wiederum sechs Besten dürfen dann am 10. und 11. Juni die Upload-Festival Bühne erklimmen und alles geben. Dem Gewinner winkt ein 5000-Euro Gutschein, den er in alles mögliche investieren darf, was mit Musik zu tun hat. Außerdem (!) darf er auf der POPkomm in Berlin spielen. Ich kann nur an euch appelieren und sagen: Traut euch! Was ist schon dabei wenn ihr verliert? Dann haben eure Musik zumindest ein paar Musikjournalisten und Musiker gehört und vielleicht kommt sie ja doch gut an? Viel Glück jedenfalls.

Und hier nochmal den Link wer kein Bock hat seine Maus nach oben zu bewegen: upload.bz.it

[Platten] Solange La Frange - Solange La Frange

2011-03-03T14:23:00.000-08:00

Er ist schwer in Mode. Ich meine den Elektro-Punk. Schon allein der Begriff ist merkwürdig. Schwer zu greifen, aber existent. Umso besser ist es, wenn man Promozettel ins Haus bekommt, auf denen dieser Begriff mit einer Band und ihrem selbstbetitelten Debut in Verbindung gebracht wird. In diesem Fall mit der Combo Solange La Frange aus Vevey am Genfer See.

Wie hört er sich also an, der Elektro-Punk, von Szeneschnöseln auch als Elektro-Trash bezeichnet. Tja, wie nur. Auf den zwölf, tanzbaren Songs treffen sich die klassische Konzertgitarre mit Syntheziser zum Vorglühen an der Clubhintertür. Schlagzeug und Drumcomputer fachsimpeln über die richtige Beatgeschwindigkeit und werden von einer Rasselbande weiterer Schlaginstrumente an der Bar abgefüllt. Über allem thront die Stimme von Julie Hugo, die die Partygesellschaft zusammenhält.

In der Schweiz scheint diese Mucke ziemlich gut anzukommen, kletterte das Album doch glatt bis auch Platz 14 der dortigen Hitparade. Im wesentlich größeren Deutschland dürfte das Album kein Fall für die Charts sein. Dagegen dürfte die raue Produktion sprechen. Ebenso die fehlende Eingängigkeit. Und der Fakt, dass das Teil keine 0815-Mucke und damit nicht massentauglich ist.

Solange La Frange, sehe ich in kleinen Clubs auf der Bühne stehen in denen Schweiß von der Decke tropft und eigentlich nur die Uncoolen am tanzen sind. Die restlichen 80% der Zuschauer stehen aus Imagegründen da und gucken lässig in der Gegend umher. Obwohl bei der Mucke sinds vielleicht 70%. Was schon fast eine Auszeichnung ist, wenn man bedenkt was für harte Nüsse da zu knacken sind.

www.myspace.com/solangelafrange

VÖ: 04.02.2011 auf Two Gentlemen / Indigo

[Platten] David Celia - I Tried

2011-02-27T14:05:00.000-08:00

David Celia ist wieder da. Nach dem staubtrockenen "This isn't here" schickt er sich nun an mit "I tried" einen weiteres Album unters Volk zu bringen. Als Verantwortlicher für Artwork und Design wird ein gewisser San Miquel genannt. Bleibt zu hoffen, dass es sich hierbei um einen schlechten Witz, der mit spanischen Brauereien zu tun hat, handelt. Muss sich doch Herr Celia vor billigen Cliparttomaten retten, die jeder Gameboy hochauflösender aufs Display gekleckert hätte.

Glücklicherweise muss der Herr aus Toronto keinen Designpreis, sondern nur die Herzen seiner Hörer gewinnen. Was ihm (gitarre)spielend gelingt. Während sich die Lieder des Vorgängers Straßenstaub von den Noten klopfen mussten, setzen die neuen Kompositionen eher auf Schummerlicht. Einzig allein das Countrygetünchte "I'm not texan" und das an Mark Knopfler erinnernde "Instant puppy love" ziehen Paralellen zum letzten Longplayer.

Auf "I tried" ist der Name Programm. Klavier und Glockenspiele begleiten den Übersong "Crush" durch seine vier Minuten. "Bug's Apocalypse" gibt sich minimalistisch mit Gitarre, Streichern und Flöte. Swing, Country, Ukulele, Bläser. Huihui. Der Mann probiert sich aus, kein Song folgt dem anderen in der gleichen Instrumentierung. Während in "Running out of Time" eine verrückte Geige gegen ein vordergründiges Schlagzeug kämpft, setzt der Titelsong auf epische Breite.

42 schöne und gediegene Minuten später ist das Album durch gelaufen. Ruhe. David Celia. "I tried". Toronto, Kanada. Unbedingt merken.

www.davidcelia.com

VÖ: 11.10.2010 auf Proper / Roughtrade

[Konzerte] Tubelord - 15.02.2011 - Support: Shoes And Socks Off - Sinkkasten Arts Club/Frankfurt

2011-02-25T14:17:00.000-08:00

Manchmal ist es wirklich schwierig zu verstehen: Tubelord und Shoes And Socks Off im schönen Sinkkasten Arts Club und trotzdem finden sich nur eine Handvoll Musiklieberhaber in der Brönnerstraße ein. Haben die Frankfurter mittlerweile eine derart große Auswahl an Konzerten, dass sie sich so etwas entgehen lassen können? Oder sind Tubelord und Shoes And Socks Off einfach nicht von einem solchen Kaliber, dass sie einen Club in der Größe des Sinkkasten Arts Club füllen könnten?

Letzteres ist sicherlich nicht der Fall. Shoes And Socks Off sind ein mehr als würdiger Opener. Die Band besteht nur aus dem aus London stammenden Tobias Hayes, der einigen schon von der Post-Hardcore-Formation Meet Me In Louis bekannt sein könnte. Der Mann mit Vollbart trotzt dem mangelnden Zuschauerinteresse und spielt beherzt auf. Kennzeichnend ist sicher, dass Hayes sich wirklich auf das Wesentliche beschränkt. Eine Stimme, die noch aus der Post-Hardcore-Zeit geprägt ist und ansprechendes Gitarrenspiel. „Funny, Haha“ und „Here’s My Head On A Plate“ könnten auch genauso gut aus Hayes Vergangenheit stammen, aber eben ohne Bandmitglieder.

Ohne große Umbauten ging es dann auch sogleich mit Tubelord aus Kingston upon Thames weiter. Die vier Briten hatten mit „Our American Friends“ ein hervorragendes Debütalbum eingespielt, welches durchgehend mit positiven Kritiken bedacht wurde. Natürlich stand dieses Album im Mittelpunkt der Veranstaltung. Aber auch noch nicht veröffentlichte Songs, die sicher auf dem neuen Album zu finden sind, wurden getestet. Tubelord selbst beschreiben ihre Musik als Popsongs für Rockkids. Dies ist auch wirklich zutreffend.

Auch Tubelord sind von den leeren Rängen unbeeindruckt und wollen einfach nur spielen. Highlight des Sets sind sicherlich „Feed Me A Box Of Words“ und „Propeller“. Leadsänger Joseph Prendergast nutzt gar die Chance und stellt sich in einer Pause per Handschlag jedem Zuschauer persönlich vor. Wo gibt’s das denn noch?

Nach dem Konzert entschuldigt sich Prendergast sogar für die geringe Resonanz und in diesem Gespräch kündigt er das neue Album noch für dieses Jahr an. Eine sympathische motivierte Band, die sich von äußeren Faktoren nicht beeindrucken lässt. Es gab sicherlich schon andere Bands, die vor noch weniger Leuten durch nichts außer Lustlosigkeit geglänzt haben. Anders Tubelord. Also an der Qualität und Motivation kann es nicht gelegen haben, dass die Zuschauer ausgeblieben sind. Schieben wir es auf das mittlerweile sehr breit gefächerte Angebot an Konzerten im Rhein-Main-Gebiet.

[Platten] Ich und mein Tiger - Was uns bleibt EP

2011-02-22T12:13:00.000-08:00

"Was uns bleibt ist das Forschen nach worten, um das zu umschreiben was unbeschreiblich ist." Dieser Satz prangt auf dem Cover der neuen EP der Bremer Akkustikband Ich und mein Tiger und beschreibt ein Dilemma, das sich auf viele Momenten im Leben anwenden lässt. Die Liebe, den Musikjournalismus oder aber den sensationellen Tiefflug des Fussballvereins seines Herzens.

Ich und mein Tiger spezialisieren sich auf ersteres Problem und zwar ausführlich. Schon bei ihrem Debut "Und all die anderen Leben" haben die drei Jungs es perfekt verstanden intime Wohnzimmerkonzertatmosphäre zu schaffen. Jetzt sind sie zurück mit Streichquartett. Was sich wie ein neuartiger Brotaufstrich liest, sind in wirklichkeit zwei Geigen, zwei Bratschen und ein Cello.

Ein Quartett, dass die sieben Songs der EP bereichert. Songs, vollgepackt mit Naivität und ganz großen Gefühlen. Songs, die manchmal etwas unbeholfen daherholpern ("Topfschlagen mit Schwänen"). Songs, die von den eigenen Erlebnissen erzählen, aber für jeden nachvollziehbar sind.

Die "Was uns bleibt" - EP ist der Eukalyptusgeschmack, der die bittere Pille Liebe erträglicher macht. Greif nur zu, diese Band versteht dich.

www.ichundmeintiger.de

VÖ: 01.04.2011 über Toolbox Records / Alive

[Platten] Braindead 5 - Guten Tag

2011-02-20T07:09:00.000-08:00

Bedrohlich wabert der Nebel vor der verlassenen Schlachterei. Aus den Werkshallen dringt das Klappern von langen Ketten, schlagenden Metalltüren und unterdrückte Schreie. Mord und Totschlag regieren den Alltag. Der perfekte Szenario-Soundtrack besteht aus jahrelanger Inzucht und derbem Heavy Metal.

Braindead 5 kommen aus Berlin und präsentieren auf ihrem Album "Guten Tag" eben genau die Musik, deren Texte direkt aus den Gedankengängen eines Perversen entsprungen sein könnte.

Dumpfer Hardcoresound unterlegt Visionen über Dominas und Therapie im Irrenhaus. Originelle und geschmackvolle Zeilen, wie "Der Schwengel vor Erregung hart, wenn Liebe sich mit Schmerzen paart." hinterlassen ein dickes Fragezeichen und passen paradoxerweise ziemlich gut in die bevorstehende Karnevalszeit. Nach dem Muster reim dich oder ich fress dich, wird sich durch elf Songs pervertiert. Wer Vergleiche braucht, dem seien Referenzen wie die Troopers oder ähnliche Brachialbands ans zerhackte Herz gelegt.

Wem solche Mucke gefällt, dem wird das Album sicher gut gefallen, zumal das ganze in einem gut gemachten Digipack daherkommt und die Songs auch ordentlich produziert sind.

"Wir kommen wieder, maskiert und widerlich". Also wenns nach mir geht, könnt ihrs sein lassen.

www.myspace.com/braindeadmetal

VÖ: 04.03.2011 auf Rockhit Records / Alive

[Platten] Caroline Keating - The Silver Heart of Caroline Keating

2011-02-20T05:05:00.000-08:00

Ein Zitat zu Beginn einer Rezension wirkt immer ziemlich belesen und scharfsinnig, deshalb an dieser Stelle ein paar Wörter von Wilhelm Busch: „Ein gutes Tier, ist das Klavier, still, friedlich und bescheiden. Und muss dabei doch vielerlei erdulden und erleiden.“ Hätte der gute Wilhelm damals die Möglichkeit gehabt der Musik von Caroline Keating zu frönen, hätte er seine Aussage mit Sicherheit relativiert. Hier muss ein Klavier nichts erdulden und nichts erleiden. Ganz im Gegenteil. Es wird genießen.

Da ist es also, das Erstlingswerk der unwahrscheinlich sympathischen Kanadierin Caroline Keating. Bisher konnte sie nach ihren fast immer ausverkauften Konzerten nur handgefertigte Demos verteilen, aber diese wurden ihr regelrecht aus den Händen gerissen, so dass es nur eine logische Konsequenz ist, dass sich diese Songs dann auch ausnahmslos auf „The Silver Heart of…“ wiederfinden. Sie mussten zwar Veränderungen über sich ergehen lassen, aber das hat ihnen gut getan.

Das Piano ist auf „The Silver Heart of…“, neben Caroline Keating selbst, der unumstrittene Hauptdarsteller. Nebenrollen haben Violine, Schlagzeug, Gitarre und Akkordeon ergattert. Dies jedoch sehr dezent und immer richtig platziert. Caroline Keating beschränkt sich auf das Wesentliche. Und das funktioniert. Eine prägnante, facettenreiche Stimme in Kombination mit einprägsamen, bezaubernden Pianomelodien. Mehr bedarf es nicht um gänzlich zu begeistern.

Schon der Opener „Silver Heart“ lässt erahnen, welches Potential in dieser Frau schlummert und es wird sofort deutlich, dass bisweilen gezogene Vergleiche mit Kate Nash unangemessen sind. Caroline Keating ist tiefgründiger und ihr fehlt (zum Glück) das aufgezwungene Pop-Element, welches den Songs die Ernsthaftigkeit und Einzigartigkeit rauben würde. Sie ist eher in die Liga, in der auch Regina Spektor mitspielt, einzuordnen.

Das darauffolgende „Ghosts“ startet behutsam und gipfelt dann sukzessive in einem großartigen, durch Schlagzeug unterlegten Chorus. Die Extreme von Traurigkeit und Freude werden hier vereint und je nach Gemütslage kann dieser Song (und auch die anderen auf „The Silver Heart of…“) verschieden wahrgenommen werden. Ob Winter, Frühling, Sommer oder Herbst. Es wird passen.

"No, you don’t have me anymore...”. In "They Say" rechnet Caroline Keating mit einer vergangenen Liebschaft ab und der Hörer kauft ihr diese Gefühle wirklich ab. Die Texte sind unverfälscht und Inszenierung ist fehl am Platz. Und das zieht sich durch das ganze Album. In die gleiche Kerbe schlägt „Montreal“. Eine ehrliche Hymne an ihre Heimatstadt. Sie liebt sie. Sie hasst sie. Aber es ist ihre Heimat. Wem geht das nicht so?

Inspiration für „Gatsby“ holte sich Caroline Keating aus dem Roman „The Great Gatsby“ von William F. Fitzgerald. Vor allem die kleinen Pausen, die sie vor dem einsetzenden Chorus platziert, wirken effektvoll. Und dieser Effekt wirkt nicht nur bei „Gatsby“, sondern auch bei vielen ihrer anderen Stücke, überraschend und spannungssteigernd. Das kann sie. Wenn Caroline Keating nach dem kurzen Aussetzer dann wieder mit „Quick, say, say something to me quick…” einsetzt, muss einem ein Schauer über den Rücken laufen.

Der einzige Song auf dem Album, der ein wenig aus dem Schema Piano-und-Caroline-Keatings-Stimme fällt, ist „The Pier“. Die gewohnte Struktur wird hier etwas aufgebrochen. Keatings Stimme wird verzerrt und hier und da tritt eine Gitarre in den Vordergrund. Erfrischend anders.

„The Silver Heart of…“ ist ein unglaublich reifes Erstlingswerk, welches auch nach mehrmaligem Hören immer noch Überraschungen mit sich bringt. Vor allem Detailverliebte werden auf ihre Kosten kommen.

Da die Rezension schon mit einem belesenen Zitat begann, so soll sie auch mit einem solchen enden. Goethe kam einst zu folgender Erkenntnis: „Große Talente sind selten und selten ist es, dass sie sich erkennen“. Caroline Keating ist ohne Frage mit einem großen musikalischen Talent gesegnet. Ob sie selbst weiß, dass sie dieses Talent hat, ist nicht relevant, denn viele andere Menschen werden ihr Talent erkennen, schätzen und ihre Musik lieben. Und das wird hoffentlich dazu führen, dass sie den Erfolg hat, den eine Musikerin wie sie verdient.

[Konzerte] James Yuill - 08.02.2011 - Support: Fehlanzeige - Sinkkasten Arts Club/Frankfurt

2011-02-13T03:54:00.000-08:00

Die auditive Wahrnehmung kann einen doch schon ziemlich hinter das Licht führen. Schließt man während eines James Yuill Konzerts seine Augen und traut nur seinem Hörsinn, so könnte man gerade denken, dass eine Band mit mindestens fünf Personen auf der Bühne des Sinkkasten Arts Club steht. Aber weit gefehlt. Es ist wirklich nur James Yuill. Und natürlich sein Laptop und diverse andere Geräte mit einer Menge Knöpfen und Schaltern.

Der äußerst adrett gekleidetete und freundlich wirkende Londoner betritt dann auch pünktlich die Bühne des Sinkkasten Arts Club. Normalerweise reagiert ein Publikum ziemlich zögerlich, sobald es vom Künstler aufgefordert wird, sich von den Sitzen zu erheben und doch vor die Bühne zu kommen. Doch heute abend ist alles anders. Obwohl die Sessel äußerst gemütlich sind dauerte es nur einen kleinen Moment bis die Masse vor der Bühne stand.

Und von Anfang an wurde eins klar: Dieser James Yuill ist nicht zu greifen. Ein bißchen Justice hier, ein bißchen Daft Punk dort und an einigen Stellen kann man auch The Whitest Boy Alive heraushören. Seiner eigenen Identität schadet dies jedoch nicht: Folktronica.

Die erste halbe Stunde des Konzerts ist eher den schnelleren Stücken gewidmet. Stellvertretend für diese Tanzzeit steht "On Your Own". Die treibenden Beats stehen hier im Vordergrund und James Yuills Gesangseinlagen werden dadurch etwas in den Hintergrund gedrängt. Aber das soll so sein.

Die zweite Hälfte der Show lässt der Engländer etwas ruhiger angehen. Auch die Akustikgitarre, die bisher die meiste Zeit auf seinem Rücken zugebracht hat, kommt nun öfter zum Einsatz. "This Sweet Love" ist hier die Stellvertretung für den Rest der Songs. Die Beats treten in den Hintergrund und Gesang sowie Gitarrenklänge übernehmen das Zepter. Das ganze Konzert bekommt einen zusätzlichen Reiz durch die ansprechendenden und künstlerisch wertvollen Projektionen, die an die Bühnenrückwand geworfen werden. Da hat sich ein Musiker mal Gedanken gemacht, wie er nicht nur mit seiner Musik begeistern kann.

Nach etwas über einer Stunde und einer Zugabe verlässt James Yuill die Bühne des Sinkkasten Arts Club. Eins wurde an diesem Abend klar: In seinem noch nicht sehr weit verbreiteten Genre ist er führend. Eine gelungene Vorführung, die nur zufriedene Menschen hinterlässt.

[Neuigkeiten] Hazelwoodstock - Das längste Festival der Frankfurter Musikgeschichte

2011-02-11T09:44:00.000-08:00

Immer wieder diese verrückten Leute von Hazelwood. Erst das Big Bum Chak im Jahre 2009 und jetzt kommen sie auf die Idee ein Festival über sieben ganze Tage zu veranstalten. Und wie finden wir das: Natürlich vorzüglich. Denn das was in diesen sieben Tagen geboten wird ist allerfeinste Kost. Hier ein kleine Auszug: Low 500, Rokoko, Gastone, Woog Riots, Bees, Kenneth Minor uvm. Und die Yellowstage bleibt preislich freundlich. Ein Tagesticket kostet im VVK 8 € und an der AK 10 €. Wer die volle Dröhnung will und ein Ticket für das ganze Festival braucht bezahlt 39 €.

Und wer bisher noch auf keiner Mattscheibe zu sehen war hat jetzt die große Chance dazu. Nein, das Festival wird nicht in voller Länge auf MTV übertragen. Es kommt noch besser: Es erscheint eine DVD mit den besten Ausschnitten des Festivals. Und das in einer Auflage, die sich sehen lassen kann.

Wer noch mehr Infos braucht, sollte einfach mal die Festival-Homepage besuchen.

Eine Ticketverlosung gibt es bald hier an Ort und Stelle. Nur Geduld.

[Platten] The Dø - Both Ways Open Jaws

2011-02-07T08:37:00.000-08:00

the dø. Ausgesprochen, the deux (falsch, falsch. Siehe Kommentar zum Review ;-) . Das sind mir ja Zwei.

Wer mit dem Satz jetzt nichts anfangen kann, an dem ist 2008 ein sehr tolles Album namens "A Mouthful" vorübergegangen. Ein Album bei dem Filmkomponist Dan Levy, die finnische Sängerin Olivia Merilathi ans Mikrofon holte, um schließlich Perlen wie "On my shoulders" oder aber schräge Songs wie "Playground Hustle" mit Kinderrebellenchor und Bürgerkriegstrommeln aufzunehmen. Standard geht anders.

Nach der Single "Dust it off" sind the dø schließlich 2011 mit einem neuen Album zurück. "Both Ways Open Jaws". Das gute Stück steigt mit dem bereits bekannten, an Sonnenaufgänge erinnernde "Dust it off" ein. Gedoppelter Gesang schmiegt sich an feinste Portishead-Elektronik. "The Wicked And The Blind" erinnert mitsamt seinen Streichern und dem aufuferndem Refrain an einen 70er-James-Bond-Titelsong, der per Scratch in die Gegenwart geholt wird.

"Gonna be sick!" xylophoniert sich durch tanzende Skelette, "Too Insistent" wächst zum Lieblingsschmusesong heran. "Bohemian Dances" wartet mit Klapperschlangenrassel und Klavier auf. Auch hier findet sich dieser tolle gedoppelte Gesang von Merilathi wieder.

"Smash them all" fällt im Gegensatz zum restlichen Album ziemlich ab, um dann vom gedehnten "Leo Leo" aufgefangen zu werden. Schließlich kommen wir zum Titelsong, japanische Kriegstrommeln künden drohendes Unheil an, hypnotische an Stammesgesänge erinnernde Lyrics winden sich tranceartig dem Ende des Songs entgegen. Hier fahren die beiden Musiker ganz große Geschütze auf und beweisen das ihre Vorliebe für Experimente nach wie vor vorhanden ist. Ganz klar eines der ganz großen Lieder auf dem Album.

Und damit ist das Kuriositätenkabinett eröffnet. "The Calender" bumbert sich mit blecherner Bassdrum durch eine Art Squaredance. "Was It A Dream" erzählt mit dezent eingesetzem Saxophon eine ganz spezielle Geschichte. Und ganz zum Schluss glitzern die "Moon Mermaids" durch den Raum und schließen das Album mit einer Art Nachtlied.

Elf Lieder voller Sehnsucht, Leidenschaft und Neugier. Lasst euch drauf ein. "Trust us we show you the way" singen sie selbst und haben Recht. Sowas bekommt man nicht alle Tage zu hören. Wie schon gesagt. the dø, das sind mir schon Zwei.

www.thedo.info

VÖ: 07.03.2011 auf Cinq 7 / Wagram ???

[Platten] Long Distance Calling - Long Distance Calling

2011-02-07T06:59:00.000-08:00

Long Distance Calling. Was sich anhört wie ein erweiterter Modest Mouse Titel ist in Wirklichkeit eine Post-Rock Band aus deutschen Landen. Eine Band, die mittlerweile seit fünf Jahren am sprichwörtlichen Ruder ist und 2011 mit ihrem selbstbetitelten Werk bereits ihr drittes Album raushaut.

Freunden gepflegter Langstreckenmusik der Marke Pelican oder Explosions In The Sky dürfte die Münster-Dortmund-Berlin Connection schon länger bekannt sein. Wer Post-Rock kennt und mag, darf jetzt aufhören zu lesen und auf das Erscheinungsdatum (18.Februar 2011) hinfiebern.

Für alle anderen beginnt jetzt wieder der Drahtseilakt Musik passend zu beschreiben.

Fangen wir einfach mal mit den Fakten an. Sieben Songs, die sich in eine knappe Stunde aufteilen. Ergibt, richtig gerechnet, knapp 8 Minuten pro Song. Songmonster eats Aufmerksamkeit. Ein oftmals beobachtetes Phänomen. Bei den Jungs von Long Distance Calling aber einfach nicht zutreffend.

Legen wir den Opener einfach mal auf den benzolischen Seziertisch. Into The Black Wide Open lässt sich mit sphärischen Rauschen und anschleichendem Schlagzeug fast zwei Minuten Zeit bevor man überhaupt den ersten Gitarrenakkord zu hören bekommt. Getragene Riffs, spacige Effekte und ein böse brummelnder Bass untermalen cleane Gitarren, die durch Halleffekte Tiefe erzeugen. Pelican oder aber Russian Circles standen bei diesem Album definitiv Pate. Bands, die kein Wert auf Klavier oder Glockenspiele legen, sondern einfach reine, ausufernde Gitarrenmusik abliefern.

Anders als bei benannten, vermeintlichen Vorbildern, haben wir es nicht mit einem rein musikalischen Album zu tun, bei Middleville darf auch mal John Bush (ex-Anthrax) ans Mikrofon.

All in all bleibt ein Album, das man ohne Probleme als Soundtrack für ein Schlachtenepos zweckentfremden könnte. Ein moderne Oper. Ein eigenes Klanguniversum. Ein konzeptloses Konzeptalbum. Na ihr wisst schon, was ganz Großes eben.

www.longdistancecalling.de

VÖ: 18.02.2011 auf Superball Music

[Neuigkeiten] Tubelord machen Halt in Frankfurt

2011-02-01T15:30:00.000-08:00

Popsongs für Rockkids. So beschreiben Tubelord aus Kingston upon Thames ihre Musik. Und wahre Worte sind das. Deutlich wurde dies auf ihrem Debütalbum "Our First American Friends": Alternative-Rock mit einem gewissen Einschlag Pop. Aber immer in der richtigen Dosierung.

Jetzt kommen die Engländer von Tubelord auf Tour nach Deutschland und werden dabei sicher auch Songs ihres hoffentlich bald erscheinenden Neulings "Over In Brooklyn" performen. Wer die Band nicht kennen sollte, aber Johnny Foreigner und Tellison auf seinem iPod findet, sollte am 15.02. unbedingt mal im Sinkkasten Arts Club vorbeischauen. Tickets gibt es hier.

Als Support fungieren Shoes And Socks Off. Dabei handelt es sich um das Soloprojekt von Tobias Hayes. Der wird einigen sicher von der Band Shield Your Eyes bekannt sein. Ein Songwriter für den sich der Eintritt allein schon lohnen würde.

Hier die wichtigsten Infos in Kurzform:

Tubelord (Support: Shoes And Socks Off) - Sinkkasten Arts Club/Frankfurt - 15.02.2011 - 20 Uhr

[Neuigkeiten] Bye Bye Bicycle im Ponyhof/FFM

2011-01-27T05:12:00.000-08:00

Für diejenigen unter euch, die für den 01.Februar noch freie Flächen im Terminkalender haben, die sollten sich mal nach Sachsenhausen in den für seine feinen Konzerte bekannten Ponyhof begeben. Dort spielen keine geringeren als die Schweden von Bye Bye Bicycle. Unterstützt wírd die Band von Alpha Pony. Kein schlechter Abend für den Start in den zweiten Monat des Jahres.

Der Spass beginnt gegen 21 Uhr und kostet 13 Euro. Tickets gibts an der Abendskasse. Alle Infos zur Veranstaltung findet ihr auf der Seite des Ponyhofs.

Achso, noch ein Tip für die, die schon was vorhaben. Einfach ausfallen lassen und in den Ponyhof kommen.

[Platten] ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead - Tao Of The Dead

2011-01-26T12:59:00.000-08:00

Da ist es nun also. Das mittlerweile siebte Studioalbum der Band mit dem langen Namen. ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead. "Tao Of The Dead" heisst das Teil und ist ohne erkennbaren Grund strikt nach dem Alphabet durchbuchstabiert. Song 1 heisst hier in der Tracklist A und dieser Fakt reizt stark den Gähnmuskel. Muss denn sowas sein? Lenkt man mit kruden Umstrukturierungen einfach von der faden Realität eines langweiligen Albums ab?

Nachdem das Intro (also A) abgeebbt ist, baut sich im B-Teil, der auf dem Namen "Pure Radio Cosplay" hört, eine kratzige Gitarrenwand auf, die sich auf den 70er Sound von The Who reimt. Da spielen sich die New Yorker ein paar Jahrzehnte zurück, um dann teilweise gefühlt ähnlich lange anhaltende Gitarrensoli auszubrechen. Pink Floyd bekommt sphärischen Tribut gezollt. Ein akustisches Eldorado für Soundfetischisten.

"The Wasteland" packt die akustische Gitarre aus. Die Drums und das Klavier in "Spiral Jetty" mühen sich in den Vordergrund, um von einem schraddeligen Gitarrensolo abgewürgt zu werden. "Weight For The Sun" klingt mit seinen Ausbrüchen extrem modern. Ein bunter Spielmannszug von gestern nach heute.

Das ganze Spektakel gipfelt im sechszehnminütigen Drogennebel "Tao Of The Dead Part2", der ganz unbescheiden fünf Buchstaben für sich einnimmt.

Da das Album bei P endet, und ich die Amis in der Summe ihrer Brillianz nicht für Analphabeten halte, könnte ich spitzklickerisch behaupten, das da bestimmt noch was kommen wird. So eine Art Sequel zu einem gelungenen Album. Wenn dem so ist, dann bitte auf ähnlichem Niveau, denn sonst würden Q bis Z ihre hochgeschätzten Kollegen Lügen strafen. Muss ja nicht sein.

www.trailofdead.com

VÖ: 04.02.2011 über Superball / EMI

[Platten] Angus & Julia Stone - Down The Way

2011-01-25T13:47:00.000-08:00

Das neueste Album der Geschwister Stone erblickte bereits am 30. März 2010 das Licht der Plattenregale . Das Singer-Songwriter Duett hatte bereits seit ihrem Debutalbum „Heart full of wine“ bei den Freunden ruhiger, gefühlvoller Klänge für Aufmerksamkeit gesorgt und dem entsprechend gespannt wurde dieses nun mehr dritte Album erwartet.

Das erste Lied des Albums, „Hold on“ startet bereits wesentlich aufwendiger als erwartet, aus der Ferne nähern sich Streicher und kurz darauf setzt das Piano ein. Die Melodie kommt einem stark bekannt vor, wenn man die beiden Aussies schon einmal gehört hat. Kein Wunder, ist sie doch dem ersten Album entnommen, hier beim Song „All of Me“ auf der Gitarre vorgetragen. Ansonsten wird der erste Eindruck bestätigt. „Hold on“ ist mit Streichquartett arrangiert und die zarte Stimme von Julia Stone geht stellenweise leider etwas unter.

Dieser Trend wird fortgesetzt. Bei beinahe jedem Lied ist ein Streichquartett eingebaut und bläht die Lieder auf. Das kann auch sehr gelungen sein, wie etwa bei „Big Jet Plane“, bei dem man sofort anfängt mitzuwippen und das Zuhören einfach Spaß macht. Doch irgendwie entspricht das Ganze nicht so ganz meinen Erwartungen und genau das ist das Problem dieses Albums.

Es geht nicht darum, dass die Streicher stören oder das Ganze gar überarrangiert ist, jedoch ist der liebevolle Singer-Songwriter Charme, den eine Stimme mit Gitarre oder Klavier nun mal hat, nur noch selten zu finden, wie etwa passagenweise bei „And the Boys“.

Doch gibt es durchaus Überraschungen. „On the Road“ könnt glatt aus einem Western entsprungen sein. Dessen Intro erinnert, durch die Melodie und den chorartigen Gesang, durchaus an Bob Dylans „Knocking on Heavens Door“. Der „Wild West“ Stil wird aber, vielleicht auch zum Glück, nicht durchgehalten. Das Lied wird poppiger und so langsam wird dem Hörer klar, dass dies auch die Tendenz des gesamten Albums ist.

Doch es gibt vor allem gegen Ende auch noch leichter Hoffnungsschimmer. „Draw your Sword“ ist einer von ihnen. Der Song könnte doch glatt noch aus dem so oft beschworenen ersten Album sein und zeigt deutlich, dass doch noch nicht jede Hoffnung verloren ist.

Und tatsächlich sind die letzten Songs des Album noch einmal gespickt mit altem Stil, inklusive spärlicher Instrumentierung und voller Gefühl. Sie entsprechen am ehesten den Erwartungen und retten das Album davor, durchgängig als Pop bezeichnet zu werden.

Insgesamt ist das Album poppiger und mit mehr Aufwand produziert als erwartet. Doch wenigstens erinnert es Phasenweise an ein sehr gelungenes Debütalbum von 2008 und ist auf jeden Fall gut geeignet für nette Abende in den verbleibenden Wintermonaten, auch wenn man sich wohl kaum so sehr daran erinnern wird wie an „Heart full of wine“.

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VÖ: 30.03.2010 auf Pias UK/Flock/Rough Trade

[Konzerte] Bored Man Overboard - 22.01.2011 - Support: Hinterlandt - Yellowstage/Frankfurt

2011-01-25T07:56:00.000-08:00

Referenzen zu finden ist eigentlich immer ein Problem. Denn ein Vergleich von Musikstilen verschiedener Bands kann eigentlich nur schief gehen. Einer fühlt sich immer auf den Schlips getreten. Musik ist und bleibt eben eine sehr subjektive Angelegenheit. Aber bei Bored Man Overboard stellt es sich anders dar.

Die Referenzen scheinen klar: Fanfarlo, Arcade Fire und The National. Das schreit nach einer kurzen Erläuterung. Die gebe ich gerne: Fanfarlo, weil Bored Man Overboard genauso feinfühlig Trompete und Violine einsetzen. Arcade Fire, weil die Musik von Bored Man Overboard genauso atmosphärisch ist. The National, weil die Stimme des Sängers diesen Vergleich unvermeidbar erscheinen lässt. Bei diesen fantastischen Bands sollte sich auch keiner auf den Schlips getreten fühlen.

Nun stehen sieben Stockholmer mit diesen großartigen Referenzen also auf der Bühne der gut gefüllten Hazelwood-Studios in Rödelheim. Mit im Gepäck war das Liedgut von insgesamt schon drei veröffentlichten EP's und des nagelneuen Albums "Rogue".

Es kommt relativ selten vor, dass man von der ersten Minute an von einer Band gefesselt ist, von der man nur eine handvoll Songs kennt. Aber bei Bored Man Overboard ist dies der Fall. Zu Beginn wirkt die Band noch etwas verschüchtert. Dies legt sich jedoch mit zunehmender Spielzeit, was sicherlich auch an der überbordenden Reaktion des Publikum liegt.

Und diese Reaktion ist vollkommen gerechtfertigt. Alles was die Band an diesem Abend anfasst wird zu musikalischem Gold. "Sinner Song", "Abigail", "There Is No Room In This Evil Heart". Bei jedem Song greift ein Rädchen in das andere. Vor allem dann, wenn sich die Stimme von Sänger David Khan etwas überschlägt, muss es um jeden einzelnen Zuhörer geschehen sein. Von diesem nationalesk angehauchten Indie-Folk gab es dann auch noch sage und schreibe noch zwei Zugaben. Nach Aussage der Band das erste Mal in der Geschichte der Band, dass überhaupt zwei Zugaben gespielt wurden. Spendabel.

Mich würde es wundern, wenn dieser Indie-Folk im Sommer nicht die Festival-Bühnen der Republik erobert. Ich höre die Massen schon singen. Wunderbar.

[Neuigkeiten] Broken Social Scene stellen Live-Konzert auf Youtube

2011-01-24T08:38:00.000-08:00

Wer das wunderbare Künstlerkollektiv Broken Social Scene noch nicht bei ihren ohneschin schon seltenen Deutschlandbesuchen erleben durfte, der kann jetzt aufhören zu weinen. Das Internet gibt uns die heiß ersehnte Möglichkeit, sie doch mal live zu sehen. Sie haben ihr Konzert vom 18. Januar 2011 im Terminal 5 in New York City auf Youtube gestellt. Ganze Zwei Stunden präsentieren sie hier in gemütlicher Atmosphäre ihr neues Album "Forgiveness Rock Record" und noch weitere Sahnestückchen ihrer bisherigen Bandgeschichte. Wir wünschen viel Spaß mit dieser überaus genialen Band!

[Neuigkeiten] Der wunderbare James Yuill in FFM

2011-01-24T04:11:00.000-08:00

„A one-man band armed with a laptop, mixing decks and an acoustic guitar". Das wird über James Yuill geschrieben. Und es stimmt. Er präsentiert einen recht einzigartigen Mix von Songwriter-Attitüde und Elektro-Elementen. Wer jetzt denkt, dass das nicht passt, liegt falsch.Vielen wird Herr Yuill auch als überaus erfolgreicher Macher von diversen Remixen bekannt sein. Ein Alleskönner.

Hier die Daten:

28.01. Hamburg, Mondial Club

29.01. Rostock, Momo

31.01. Berlin, Postbahnhof

01.02. Leipzig, Werk II

02.02. Nürnberg, MUZ Club

04.02. Dresden, Scheune

05.02. München, Atomic Café

06.02. A-Wien, B72

07.02. Stuttgart, Club Schocken

>>08.02. Frankfurt, Sinkkasten Arts Club<<

[Platten] Scheisse Minelli - The Fight Against Reality

2011-01-24T04:06:00.000-08:00

Das nenn ich ja mal einen dicken Batzen. Zusätzlich zum neuen Album "The Fight Against Reality" legen die Halb-Amis/-Hessen von Scheisse Minelli noch ein 200 seitiges Booklet bei. In diesem Booklet erfahren wir die Geschichte von und aus der Sicht von Sänger Action. Mit Anfang 30 ist der Kerl schon ganz gut rumgekommen.

Er schreibt über seine Kindheit und seine drogenvernebelte Jugend in Amerika, seine Backpackingjahre durch die Welt und den Aufstieg und Niedergang seiner verschiedenen Bands. Interessantes Zeug eines labilen und nicht immer symphatischen Charakters. Die Musik auf dem eigentlichen Album besteht aus 16 Hardcoregranaten der alten Schule. Kein Song erreicht die drei Minuten Marke. Enormes Tempo begleitet die Alltagsthemen der Band, Drogen und Alkohol. Unterstützt wird die Band hier von Rich Kids on LSD und The Toten Crackhuren im Kofferraum, gerade erstere ebenfalls Garant für unzimperlichen Skate-Hardcore. Dreißig Minuten später klingt der letzte Ton von "The Fight Against Reality" aus und man kommt zu dem Schluss, alles was da gesungen wird findet sich auch in der Biographie wieder. Authentisch, kein Zweifel.

Wer auf Hardcore steht, der kommt an dem Ding nicht vorbei.

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VÖ: 07.01.2011 auf Destiny Records / Broken Silence

[Konzerte] Philipp Poisel - 16.01.2011 - Support: Alin Coen, Florian Ostertag - Capitol/Offenbach

2011-01-17T11:11:00.000-08:00

Ungewöhnlich mild ist es an diesem Sonntagabend im Januar. Wenn man es auf eine Erkältung ankommen lassen wollte, hätte man auch im T-Shirt in der langen Schlange vor dem Offenbacher Capitol stehen können. Eine Schlange, die eher eine Anaconda als an eine heimische Blindschleiche erinnert (ja, ich weiß Blindschleichen sind keine Schlangen, aber ein toller Vergleich ist es trotzdem). Lang und mächtig.

Das Capitol ist eine der schickeren Konzertlocations im Großraum Frankfurt/Offenbach. Hier könnten und werden Musical und Theater zelebriert und keine Clubkonzerte in Winzformat. Dafür war heute aber auch niemand gekommen, denn die
Musik von Philipp Poisel hört man auch nicht im schwitzenden Menschenknäuel, sondern am Besten daheim im kuscheligen Sofa vorm flackernden Kamin.

Genau aus diesem Grunde war der Schreiber dieser Zeilen auch eher kritisch was die Größe des Veranstaltungsortes anbelangte. Denn eine Venue mit Platz für knapp 1800 Gäste gilt als Antithese für eine intime Atmosphäre. Dem überwiegend weiblichen und im Altersschnitt recht jungem Publikum war das egal und auch Promis wie etwa Henni Nachtsheim von Badesalz zog es über den Main.

Unterstützt wird der Herr Poisel von den beiden Einzelkünstlern Alin Coen und Florian Ostertag, die ich jedoch beide verpasse. Rechtzeitig zu Beginn des Konzertes werde ich in einer sehr überschaubaren Gruppe an Fotografen von der Security an den vermeindlich besten Platz im Publikum gelotst.

"Für keine Kohle dieser Welt". Philipp Poisel betritt die Bühne und das Publikum kreischt seine Freude in spitzen Schreien auf die Bühne. Symphatisch, fast schon schüchtern, kommt er rüber und legt mit genau mit dem los für das alle hier gekommen sind. Romantische Lieder, die teilweise schon etwas zu sehr von klebrigen Zuckerguß tropfen. "Ich und Du", "Im Garten von Gettys", "Zünde alle Feuer", "Halt mich" und "Froh dabei zu sein" gehen runter wie Öl.
Begleitet von einer vierköpfigen Band erkennt man schnell das Philipp einige Zeit
als Straßenmusiker unterwegs war. Ebenso lange wie verlegene Ansagen an das Publikum und Songs, die trotz Bekanntheit schon fast Jam-charakter haben. Das macht wirklich Spass.

"Zünde alle Feuer", "Zwischen Innen und Außen", "Wo fängt dein Himmel an", "Wie soll ein Mensch das Ertragen" "Mit jedem deiner Fehler". Die Hitdichte ist hier gefährlich hoch. Bei "Hab keine Angst" gibts gesangliche Unterstützung von Alin Coen und mit "Einfach so" auch mal einen (vermeintlich) neuen Song, der ein ungewöhnlich schnelles Tempo anschlägt.

Weggeblasen sind die Zweifel, das das Konzert nicht gut geht. Während der Ansagen ist das Publikum still wie ein Badestrand im Winter. Das merkt man aber auch nur, weil die ersten Akkorde der ruhigen Lieder einfach vom Jubel weggeblasen werden. Ja, die Band hat Offenbach auf ihrer Seite. Schließlich endet der reguläre Teil mit "All die Jahre" was mit einem sehr langem instrumentalen Outro abschließt.

Als Zugabe gibt es die "Liebe meines Lebens" und den immer wieder explodierenden Übersong "Als gäb's kein morgen mehr". Das Publikum will mehr, also spielt er "Ich will nur" und als allerletzten Song, das Live-Only-Lied "Herr Reimer".

Als das Saallicht angeht sind fast zwei Stunden vergangen. Zwei Stunden, die von meiner Begleitung als ein Konzert "mit ein bisschen viel Liebesliedern" bezeichnet wird. Da hat sie recht. Aber genau das wollen die Leute von Philipp Poisel hören. Das ist sein Geheimnis, das voll aufgeht, was die ausverkaufte Tour eindrucksvoll belegt. Die Tour eines Künstlers, der zwar im Mainstream segelt, aber den Eindruck vermittelt, dass er garnicht weiß wie er dort hingekommen ist.

Alle Fotos: Florian Grünert

[Neuigkeiten] The Answering Machine streamen neuen Song von "Lifeline"

2011-01-17T09:14:00.000-08:00

Die hübsche Frau auf dem Cover hängt ziemlich in den Seilen. Ganz anders The Answering Machine aus Manchester. Denn die Band steht gerade erst in den Startlöchern zur Veröffentlichung ihres zweiten Albums namens "Lifeline". Es dauert nicht mehr lange und "Lifeline" erblickt das Licht der Welt. Genauer gesagt am 21. Februar. Die dazugehörige und gleichnamige Single erscheint eine Woche vorher am 14. Februar. Um die Wartezeit bis dorthin etwas zu verkürzen streamt die Band ~~"Anything Anything"~~ auf ihrer Seite bei Bandcamp. Die zweite Hörprobe nach dem Gratis-Download "Animals". Aber Beeilung ist angesagt - das Ganze gilt für nur 48 Stunden.

Tracklist:

1. My Little Navy

2. Lifeline

3. Animals

4. 3 Miles

5. Romantic And Square

6. Anything Anything

7. Hospital Lung

8. Rules

9. Video 8

10. So Alive

11. The End

[Neuigkeiten] Pete And The Pirates - Musik für umsonst

2011-01-17T08:42:00.000-08:00

Wer mag Pete And The Pirates? Hände hoch! Da recken aber einige die Arme nach oben. Und genau für diese Leute haben die netten Engländer jetzt einen Gratis-Download zur Verfügung gestellt. Sie folgen damit dem Trend und lassen "Winter1" natürlich als Appetizer zum neuen Album, das in naher Zukunft erscheinen wird, vorangehen. Aber hört sich doch ganz gelungen an.

Winter 1 - Free Download - Hier klicken

[Konzerte] Tokyo Police Club - 26.11.2010 - Support: The Answering Machine - Bett/Frankfurt

2011-01-07T10:54:00.000-08:00

Es ist einfach wunderbar, wenn an einem Abend gleich zwei Bands aus den persönlichen Top Ten auftreten. Freude wie beim Honigkuchenpferd. Die Kanadier von Tokyo Police Club hatten sich als Begleitmusik The Answering Machine aus Manchester zur Seite gestellt. Eine verdammt gute Wahl wie sich herausstellen sollte.

The Answering Machine hatten bisher noch nicht die Möglichkeit ihr Debütalbum „Another City, Another Sorry“ in Deutschland zu präsentieren, deshalb muss ihnen die Aufgabe Tokyo Police Club zu supporten gerade recht gekommen sein. Wie schon öfter hier auf dieser Seite beschrieben, ist der Erstling dieser Band eine Perle, was es dann auch verwunderlich erscheinen lässt, dass sie bisher noch nicht den Sprung über den Kanal geschafft hatten.

Martin, Pat, Gemma, Ben und Luke alias The Answering Machine betraten dann pünktlich gegen neun Uhr die Bühne des Betts und schauten in jede Menge gespannte Gesichter des gut gefüllten Clubs. Ohne viel Zeit zu verlieren legten sie sich auch gleich ins Zeug. Reagierte das Publikum anfangs noch verhalten, konnte sich zum Ende der Spielzeit keiner diesem infektiösen Indie-Pop entziehen. Das Publikum bewegte sich und der Beifall wuchs von Song zu Song überdurchschnittlich an. Der Fokus lag auf den älteren Stücken wie zum Beispiel „Obviously Cold“ oder dem famosen „Lightbulbs“. Aber auch neuere Stücke wurden präsentiert. „Lifeline“, „3 Miles“ und „Animals“ reduzieren im Vergleich zum Erstlingswerk das Tempo etwas, aber das tat der Qualität keinen Abbruch.

Vor allem die Leidenschaft und Konsequenz, mit der die Band um Frontmann Martin Colclough sich durch ihr kurzes, intensives Set spielt, beeindruckt. Für eine Vorband ein wahrlich grandioser Auftritt. Und gerade erschleicht mich die Angst, dass ich über den Support eventuell mehr schreiben könnte, als über den Hauptact. Wäre mal was anderes. Die neue Single „Lifeline“ erscheint am 14. Februar und das gleichnamige Album eine Woche später. Kaufen!

Über Tokyo Police Club müssen eigentlich gar nicht mehr viele Worte verloren werden. Die Band aus Toronto startete mit „Elephant Shell“ vor ein paar Jahren richtig durch und ist seither von keinem Mixtape mehr wegzudenken. Der Nachfolger knüpfte nahtlos an „Elephant Shell“ an und bekam zu recht durchweg gute Kritiken. Dave Monks und seine Mannen eröffneten die Vorführung mit „Favourite Colour“. Monks einprägsame Stimme, die auf der Bühne mit einigen Ecken und Kanten mehr daherkommt als auf Platte, und das Talent einprägsame Melodien vom feinsten zu komponieren, sind hier gleich als Stärken zu notieren. Von Schwächen wollen wir gar nicht reden, denn die sind schlichtweg nicht vorhanden. „Graves“ wird dem einen oder anderen sicher eine Gänsehaut verschafft haben. Die Songs zeigen ihre Wirkung.

„Wait Up (Boots Of Danger)“, „End Of A Spark“, „Your English Is Good” – die Kanadier machen bei der Songsauswahl nichts falsch. Nach etwas über eine Stunde verabschiedet sich die Band und kommt für die Zugabe wieder zurück. „Cheer It On“ darf eben in keinem Set fehlen. „Operator, get me the president of the world. This is an emergency”. Und weg waren sie.

Ein Abend, der nur mit Superlativen beschrieben werden kann, geht also dahin. Zwei gleichwertige Bands auf extrem hohem Niveau, die das Publikum begeisterten. Never change a winning team. Also bitte in der gleichen Konstellation wiederkommen. Danke.

[Platten] The Dreadnoughts - Polka's Not Dead

2011-01-07T08:24:00.000-08:00

´Da heulen ja die Wölfe. Die Vancouver Street Punks von The Dreadnoughts bringen bereits ihr drittes Album raus. Polka's Not Dead. Eine dreckige Mischung, die am Besten mit einer kräftigen Portion Whisky runtergespült wird.

Wer auf Vorzeigerüpel wie die Dropkick Murphys oder den Folk-Punks von Flogging Molly mit einer gehörigen Portion Gogol Bordello steht, der kann an dieser Stelle aufhören zu lesen und sich gleich mal auf der Bandpage zum Bestellbutton durchklicken.

Ganze zwei Sekunden herrscht Ruhe im Opener "Cider Road" und schon ballern die Gitarren mit Höchstgeschwindigkeit los, dazu geigt sich einer einen. "Randy Dandy-Oh" ist ein waschechter Chanty. "Goblin Humppa" lässt einen nervösen, aber stummen Kobold ans Klavier. Akkordeon, Geige, Banjo, Mandoline. Alles was das irische Volk an Instrumenten auffährt findet sich in den Liedern wieder.

Der verstärkte Geigeneinsatz und der häufig verwendete, walzerartige Rhytmus schielt ganz verstärkt gen Osteuropa.

Zwar erfinden die Dreadnoughts keine neues Genre, machen aber aufgrund der Eingängig- und Tanzbarkeit doppelt Spaß. Prost.

VÖ: 07.01.2011 auf Broken Silence / Destiny Records

[Platten] Thisoneless - To Give Everything...

2011-01-06T14:54:00.000-08:00

Ich kann mich noch gut an meinen ersten Festivalsommer erinnern. Aufregung, jede Menge Menge Nu-Metal, gerne auch mal mit Geschrei. Man waren das Zeiten. Da hing man am Zelt rum, feuerte den Grill an und freute sich an der Musik die von der Bühne rüberschwappte. Thisoneless hätten eben jenen Soundtrack bieten können.

Fast zehn Jahre später liegt nun das Album "To Give Everything" eben genannter Band auf meinem Schreibtisch. Der Nu-Metal klingt genauso wie ich ihn um die Jahrtausendwende klasse gefunden hätte. Heute behaupte ich jedoch von mir einen etwas breiteren musikalischen Horizont zu haben und von Keyboard getragene Gesangspassagen, die sich mit Moshparts abwechseln, gehören heute nicht mehr wirklich zu den originellsten Stilmitteln.

Vom technischen Standpunkt gesehen, geht das Album für eine Eigenproduktion mehr als in Ordnung. Die Pfälzer verstehen was von anständigen Songstrukturen, Sänger Sam kann gut singen/brüllen aber eben leider in einer Musikrichtung die ihren kurzzeitigen Zenit schon lange überschritten hat.

Wer sich die alten Helden nach wie vor gerne reintut, der sollte mal ein Öhrchen riskieren. Für alle Anderen bietet der musikalische Äther frischere Schallkost.

http://www.myspace.com/thisoneless

VÖ: 2010 in Eigenproduktion

[Platten] Trailer Park Sex - Now Or Fucking Never

2011-01-06T14:17:00.000-08:00

"Da legst di nieder". Wer einen derart charmanten Bandnamen wie etwas Trailer Park Sex hat, von dem braucht man auch nicht unbedingt konventionelle Musik erwarten. Zwei Leutchen, Mann und Frau. Hamburg City. Wer jetzt eine x-te Kopie der White Stripes oder eine Neuauflage der Blood Red Shoes vermutet, der liegt genauso falsch wie ein Steak in meinem Kühlschrank.

Trailer Park Sex behaupten von sich selbst, dass sie eine Progressive/Jazz/Metal-Band sind. Öhm, ja gut. In der akustischen Realität bedeutet das, das Progressive und Jazz einfach so gut wie nicht existent sind. Der Metal und eine Menge ungepflegtes Chaos regiert. Hier wird nach Herzenslust die runtergestimmte Gitarre malträtiert. Sänger Juan Pablo Gracia grunzt sich durch die Songs und beweist in den wenigen ruhigen Passagen, dass er singen und sogar entfernt wie Corey Taylor klingen kann.

Songtitel wie "Fucking Nazis in beautiful Budapest" oder "Schizophrenia" schmiegen sich malerisch ins pinke Totenschädelartwork. Wer jetzt dumpfes Geknüppel erwartet, der liegt hier nur teilweise richtig. Klar, es wird ordentlich gefetzt und gebissen, dennoch bestehen die Songs aus einer Menger Tempiwechsel und interessanten Breaks wie man sie von gepflegtem Metalcore gewöhnt ist.

Leg das Teil auf und Fön dir die Haare trocken.

http://www.myspace.com/trailerparksex

VÖ: 17.10.2010 in Eigenproduktion

[Platten] Untertagen - In dieser Stadt EP

2011-01-02T05:49:00.000-08:00

Wir haben vor euch vor längerer Zeit Bands wie A5 Richtung Wir oder Elias vorgestellt. Bands bei denen das Prinzip Indierock meets deutsche Texte gilt. Manchmal kitschig, manchmal elegant, insgesamt aber doch schön. Untertagen aus Aschaffenburg treten, eher unwissentlich, in die Fußstapfen genannter Bands.

Fernab von Wortakrobatereien der Hamburger Schule operieren die vier Bayern mit Alltagssprache und verkleiden ihre Themen in schicker und unaufdringlicher Gitarrenmusik.

Vier Songs zwischen Liebe, Mathrockanleihen, Gesellschaftskritik und Synthiegeplucker. "In dieser Stadt" ist eine EP geworden, die Bescheid weiß. Bescheid über aktuelle Trends und geschickter Nicht-Anbiederung.

Untertagen. Überallem? Naja, noch nicht ganz, aber was nicht ist kann noch werden. Mit Songs wie "In dieser Stadt" treffen die Jungs sicher den Nerv der Zeit.

www.myspace.com/untertagen

VÖ: 12.11.2010 über Selbstverlag / Regioactive.de

[Neuigkeiten] Madeleine Persson

2010-12-31T01:51:00.000-08:00

Erinnert ihr euch noch an Madeleine. Im Februar stellten wir euch die sympathische Frankfurterin in einem Interview vor. Seitdem ist einiges passiert bei ihr. Professionelle Studioaufnahmen, neue Songs und Auftritte. Am 03.11. waren wir im Sachsenhäuser Balalaika dabei und haben uns von ihrer Musik verzaubern lassen. Wie das ~~Glück/Zufall~~/HIERBITTEPASSENDENBEGRIFFEINFÜGEN wollte hat ihre Schwester Amelie das Konzert mitgeschnitten und auf Youtube hochgeladen. Unbedingt anklicken und freuen.

Sonst noch was? Na klar, jede Menge. In alle Kürze. Bitte klickt euch mal durch die Seiten von Boo Hoo, machts euch gemütlich mit seiner Musik, wenn sie euch gefällt kommt bald wieder und vielleicht findet ihr in irgendwann einmal ein Interview von ihm hier auf Benzol.

Ok Leute, genug für dieses Jahr, der letzte Tag des Jahres wird nochmal in freier Wildbahn verbracht.

[Neuigkeiten] Eine Frau und ein Piano - Caroline Keating

2010-12-28T14:33:00.000-08:00

Caroline Keating erinnert viele Menschen an Regina Spektor und diesen Vergleich muss sie nicht scheuen. Aber Mrs. Spektor ist mittlerweile nur noch in den großen Konzertsälen dieser Welt zu bestaunen. Vielleicht passiert das mit Caroline Keating auch bald. Auszuschließen ist es jedenfalls nicht und zu gönnen ist es ihr allemal, denn wenn die junge kanadische Songwriterin alleine an ihrem Piano sitzt dauert es nicht lange und sie hat das Publikum in ihren Bann gezogen. Wer noch etwas Überzeugungsmaterial benötigt, soll den Bericht ihres letzten Konzerts auf der Frankfurter Yellowstage lesen oder sich ein paar Songs bei myspace anhören. Wer nicht hingeht wird sich ärgern. Das steht fest. Termine untenstehend.

01.02.11 DE – Dresden, Societaetstheater
03.02.11 DE – Hannover, Feinkostlampe
04.02.11 DE – Rees-Haldern, Haldern Pop Bar
07.02.11 DE – Halle, Women In Jazz Festival
09.02.11 DE – Essen, Zeche Carl (supporting Marianne Dissard)
10.02.11 DE – Köln, Gloria (supporting Marianne Dissard)
11.02.11 CH – Baden, One Of A Million Festival
12.02.11 DE – Saarbrücken, Sparte 4 Theater
13.02.11 DE – Darmstadt, Hoffart Theater
16.02.11 CH – Winterthur, Gaswerk
17.02.11 CH – Basel, Parterre
19.02.11 DE – München, Rationaltheater

[Konzerte] Flashguns/Telekinesis - 25.11.2010 - Support: Fehlanzeige - Yellowstage/Frankfurt

2010-12-28T09:53:00.000-08:00

Wie sagt man doch so schön: Einem geschenkten Gaul schaut man nicht ins Maul. Flashguns alleine wären den lächerlichen Preis von zehn Euro schon wert gewesen. Aber kurzfristig kamen dann noch Telekinesis aus Seattle mit ins Spiel. Ohne Aufpreis. Die Amerikaner hätten eigentlich am selben Abend als Support im Wiesbadener Schlachthof mit Meursault auftreten sollen. Doch Meursault mussten ihren Auftritt absagen, so dass Telekinesis dann quasi als Co-Headliner in die Hazelwood-Studios abberufen wurden.

Telekinesis ist eigentlich ein Soloprojekt von Michael Lerner. Für die Tour holte er sich jedoch Verstärkung, so dass dem Publikum ein ganzes Trio präsentiert werden konnte. Und das harmonierte prima. Lupenreiner und fröhlicher Indie-Rock ohne einen einzigen Ausfall. Lerner beschwingt das anwesende Publikum mit seinen Fast-Hits "Coast Of Carolina" und "Tokyo". Aber am meisten brilliert Lerner eigentlich wenn er sich von seinem Schlagzeug erhebt, der Rest des Trios die Bühne verlässt und nur er und seine Gitarre vor dem etwas zu tiefen Mikrofon stehen. Das folkige "I Saw Lightning" treibt einem die Gänsehaut über den Körper: "I wanna care for you when you are all alone / Sit inside our house and unplug all our phones / Watchin' raindrops stream down on our windowsill / Let's be in love." Ganz schön hochgelegt die Messlatte.

Eine Menge Vorschusslorbeeren brachten die Londoner Flashguns mit zur Yellowstage. Diverse Touren mit Größen der Szene (Bombay Bicycle Club, Jamie T) und eine fantastische Debüt-EP lassen diese Vorschusslorbeeren auch nicht als ganz unbegründet erscheinen. Obwohl die Mitglieder der Band vielleicht gerade mal an der zwanzig kratzen stehen sie auf der Bühne, als ob sie nie etwas anderes getan hätten. Der Leadsänger Samuel Johnston legt in den Gig eine ordentliche Portion Leidenschaft mit hinein, was den bereits bekannten Songs und auch den Songs vom bald erscheinenden Album das gewisse Etwas mitgibt. Britisch angehauchter Indie-Rock ohne jeglichen Schnörkel. Hier wächst was großes heran. Wenn auf Albumlänge die Qualität gehalten werden kann, die die EP mit sich brachte, dann haben die Flashguns eine ordentliche Zukunft vor sich. Komplett überzeugt.

Im Schlachthof sollten vielleicht einfach öfter Konzerte ausfallen...

[Platten] Jellybeat - Don't Let Us Be Misunderstood

2010-12-26T05:16:00.000-08:00

Von Jellybeat aus Wien habe ich bisher nichts mitbekommen. Schade eigentlich, denn mit ihrem bereits viertem Album Don't Let Us Be Misunderstood hauen die Österreicher ein mehr als ordentliches Werk raus.

Laut ihrem Promozettel haben sie sich dem Electro-Pop und Beat verschrieben. Schon beim ersten Durchlauf fällt auf, Sängerin Katrin Navessi bringt eine Menge Seele in die doch eher banalen Genrebezeichnungen. Schon der beschwingte Opener Lily's In The Kitchen, der entfernt an eine weiche Le Tigre Version erinnert, macht Lust auf mehr. Kaleidoscope hätten Air auch nicht luftiger (oh,man) hinbekommen. Boy erinnert entfernt an einen schnellen Morcheebaverschnitt. Echo liebäugelt mit den Sixties. Magnificent Obsession versprüht Big-Beat Atmosphäre. Und, und, und.

Vielleicht ist es aufgefallen, das Wörter wie "entfernt" oder "liebäugeln" verwendet werden. Ja, richtig. Denn hier klingt nichts nach dreister Kopie. Mit breiter Brust tritt Jellybeat an die Öffentlichkeit, vereinen Genres auf ihrem Album und versprühen dabei keine Arroganz.

Für alle die mit den genannten Bands etwas anfangen können, sich nicht gegen eine gewisse Radiotauglichkeit wehren, ist Don't Let Us Be Misunderstood eine musikalische Wundertüte.

www.myspace.com/jellybeat

VÖ: 29.11.2010 auf Pate Records / Edel

[Neuigkeiten] Frohe Weihnachten - Merry Christmas

2010-12-24T09:27:00.000-08:00

Das Benzol-Redaktionsteam wünscht allen ein frohes Weihnachtsfest und besinnliche Tage...

[Konzerte] Pete & The Pirates - 05.09.2010 - Support: Rokoko - Yellowstage/Frankfurt

2010-12-20T07:01:00.000-08:00

Man hatte fast schon den Eindruck, dass Pete & The Pirates Deutschland meiden. Schaute man auf den Tourplan wurde Deutschland meist außen vor gelassen. Aber es gibt doch noch Überraschungen. Um ein paar neue Songs ihres noch unbetitelten neuen Albums vorzustellen, fand sich Pete samt Piraten aus Reading/UK auf der Yellowstage in Frankfurt ein. Aber natürlich sollte auch das Liedgut des vielbeachteten Debütalbums "Little Death" nicht zu kurz kommen. Und bei "Little Death" kommen Erinnerungen hoch. "She dances like she's got a beat in her brain. She dances like she might never again. She's got me thinking about old times again." Riesige Vorfreude also.

Als Support wurde die Indie-Pop-Combo Rokoko aus Wiesbaden engagiert. Erfrischende, deutschsprachige Musik, die das Rad nicht neu erfindet, aber dem Publikum doch gut gefällt. Ein mehr als gelungener Auftakt.

Arrrr. Dann also Pete & The Pirates. Und diese steigen in ihr Set gleich mit "Jennifer" von ihrer letzten EP ein. Die Jungs um Peter Hefferan haben aber auch wirklich das Händchen dazu, in jeden Song etwas hymnenartiges einzubauen. Dies wird beim ersten Song gleich klar und zieht sich durch das ganze Set.

Die sympathischen Engländer glänzen musikalisch und stimmlich. Die Songs des neuen Albums ergänzen das Set perfekt und lassen die Hoffnungen auf ein brilliantes zweites Album in die Höhe schießen. "Mr. Understanding" ist live genauso unwiderstehlich wie auf Platte und es ist nahezu unmöglich die Füße stillzuhalten. Und das ist nur einer von vielen Höhepunkte des Abends. "Come On Feet", "Eyes Like Tar" uvm. sind da noch zu erwähnen.

Das anwesende Publikum kann nicht genug bekommen und so kommt die Band nach endlosen Jubelarien für zwei Zugaben wieder, bis ihr am Ende das Liedgut ausgeht. Jetzt aber schnell mit dem neuen Album.

[Neuigkeiten] Everything Thermals - The Thermals mit "Personal Life" endlich auf deutschen Bühnen

2010-12-20T04:29:00.000-08:00

Die No-Fi-Helden aus Portland beehren zum Glück endlich mal wieder deutsche Bühnen. Hingehen und mitreißen lassen:

04.04. Köln - Gebäude 9
12.04. München - Hansa 39
13.04. Wien - Flex
14.04. Nürnberg - K4
15.04. Frankfurt - Sinkkasten
16.04. Dresden - Beatpol
17.04. Berlin - Lido
19.04. Hamburg - Knust

[Interviews] Fanfarlo

2010-12-18T13:57:00.001-08:00

Vor dem fantastischen Konzert im Frankfurter Nachtleben hatte ich die Möglichkeit mit Amos Memon, dem Drummer der hochgehandelten schwedisch-englischen Combo Fanfarlo, zu sprechen. Dieser nahm sich dann auch reichlich Zeit, um Fragen über das Tourleben, das zweite Album oder die Kommerzialisierung von Musik zu beantworten.

Frankfurt ist der erste Termin eurer zweiten Deutschland-Tour in diesem Jahr. Wenn man ein bisschen die einschlägige Musikpresse durchblättert, konnte man lesen, dass die letzten Termine alle so gut wie ausverkauft waren. Was erwartet ihr von der jetzigen Tour?

Hoffentlich passiert dasselbe wie beim letzten Mal auch. Wir mögen es in Deutschland zu spielen. Wir haben schon vor ein paar Monaten eine Tour hier gespielt und die Reaktion der Zuschauer war wirklich mehr als wir erwarten konnten. Wir freuen uns riesig vor neuen Fans zu spielen und vielleicht sind auch ein paar Leute hier, die auch schon bei unseren letzten Auftritten dabei waren. Natürlich freuen wir uns auch in Städten zu spielen, in denen wir vorher noch nicht waren, wie zum Beispiel heute Frankfurt oder morgen beim Folkfest in Duisburg.

Ihr habt das Privileg durch die ganze Welt zu reisen und viele verschiedene Länder zu besuchen. Ihr wart schon so gut wie überall in Europa und seid in letzter Zeit auch intensiv in den USA getourt. Wie beeinflusst das euch als Band, eure Musik und dich persönlich?

Ich denke wir lernen sehr viel aus Gesprächen mit anderen lokalen Bands, mit denen wir gemeinsame Auftritte haben. Und auch aus Gesprächen mit den Tontechnikern und den Leuten, die in den jeweiligen Venues arbeiten, nehmen wir sehr viel mit. Da lernen wir viel über die jeweilige Musikszene. Aber die Beeinflussung bezieht sich natürlich nicht nur auf das musikalische. Wenn man zum Beispiel während der Fahrt von Stadt zu Stadt aus dem Fenster schaut und sieht, wo man überall vorbeikommt - das beeinflusst auch. Genauso auch kulturelle Dinge, wie anderes Essen oder Kunst. Gestern waren wir beispielsweise in einer Galerie in Rotterdam, in der wir uns etwas umschauten.

Siehst du Unterschiede von Land zu Land, wie eure Musik bei den Konzerten aufgenommen wird? Also reagieren die Leute in England vielleicht anders als die in Deutschland oder Spanien?

Das stimmt auf jeden Fall. Die Leute reagieren unterschiedlich. Aber das passiert auch innerhalb Deutschlands. In großen Städten wie Berlin, Hamburg oder München sind die Zuschauer lauter. Sie lassen es dich wissen, wenn ihnen ein Song richtig gut gefällt und sie finden es toll mit der Band zu interagieren. In kleineren Städten ist das vielleicht ein bisschen anders. Dasselbe gilt auch für die USA. Die Leute nehmen unsere Musik in den verschiedenen Teilen des Landes unterschiedlich auf. Die Leute im Süden drehen wirklich durch. Wenn wir aber in New York spielen, haben wir natürlich mehr Zuschauer und in der ersten Reihe mehr Hardcore-Fans. In den hinteren Reihen stehen dann eher die Neugierigen, die sich das Ganze erst mal anschauen wollen. Es ist wirklich unterschiedlich von Land zu Land.

Ihr habt in der riesigen O2-Arena in London als Support für Snow Patrol gespielt und auch Auftritte in mittelgroßen Venues wie dem Sheperds Bush Empire als Support für Mumford & Sons gehabt. Ist es ein langfristiges Ziel für euch in derartig großen Konzerthallen zu spielen oder denkst du, dass eure Musik nur im kleinen und intimen Rahmen funktioniert?

Wir haben es wirklich nicht so genossen in der O2-Arena zu spielen. Sie ist einfach zu groß und wir sind keine Stadionband. Snow Patrol haben auch nicht in solch großen Arenen angefangen. Aber irgendwas ist dann passiert, dass sie die Songs hatten, die sehr viele Leute stolz mitsingen. Venues wie das Sheperds Bush Empire sind schon eher realistisch. Das ist einfach eher unsere Kragenweite. Ich bin damit aufgewachsen Bands im Sheperds Bush Empire zu sehen. Mit solch einer Venue fühle ich mich eher verbunden. Ich lebe in London, die Größe ist genau richtig und der Sound ist perfekt. In der O2-Arena war ich bisher nur dreimal bei Prince, The Mighty Boosh und eben für unseren Auftritt. Sie ist zu groß.

Ihr werdet beim diesjährigen Glastonbury-Festival auf der Queenshead Stage mit Bands wie Detroit Social Club oder Frank Turner spielen. Was bedeutet es für euch auf dem größten Musikfestival der Welt zu spielen?

Es ist wirklich ein riesiges Festival. Man weiß dort nie was passieren wird. Wir sind jetzt nach 2008 das zweite Mal dort. 2008 spielten wir auf zwei kleineren Bühnen. Einmal auf der BBC-Introducing-Stage und das andere Mal auf einer Bühne in der sogenannten Greenfield-Area. Wir spielten zur selben Zeit wie Jay-Z, weshalb bei uns nicht besonders viel los war. Aber dieses Jahr wissen wir, was uns erwartet. Es ist wirklich schwierig sich dort zu recht zu finden, auch wenn man nur dort hingeht, um die Musik zu genießen und kein Konzert spielt. Es kann passieren, dass man wirklich keine Band zu Gesicht bekommt, weil es so viele andere Dinge dort zu tun gibt. Dieses Mal werden wir versuchen, es etwas mehr zu genießen und vielleicht auch ein paar mehr Bands sehen. Beim letzten Mal hatten wir nicht den richtigen Pass für unseren kleinen Bus, also dauerte es fast eine Stunde, um von einem Ort zum anderen zu kommen. Wir mussten dann nach Hilfe fragen, um einen gültigen Pass zu bekommen. Ich hoffe genau diese Dinge passieren dieses Jahr nicht. Aber wir freuen uns wirklich sehr darauf.

Das letzte Mal habe ich euch beim Camden Crawl 2008 in London in einem Pub namens „Monarch“ gesehen. Vielleicht erinnerst du dich an diesen Auftritt. Mein Freund Charles zog mich damals in diesen Pub, da er euch vorher schon mal in Stockholm gesehen hat und begeistert war. Bis zu diesem Zeitpunkt habe ich nur ein paar Mal von euch gehört, aber als ihr den ersten Track gespielt habt, hatte ich sofort ein Lächeln auf dem Gesicht. Letztendlich war es der beste Gig des ganzen Camden Crawls. Ist es das was ihr mit eurer Musik erreichen wollt? Den Menschen ein Lächeln in das Gesicht zaubern? Wollt ihr die Menschen zum Nachdenken bewegen? Oder interessiert es euch nicht, was in den Köpfen der Menschen passiert, wenn sie eure Musik hören?

Ideal ist natürlich wenn jeder die Reaktion zeigen würde, die auch du hattest. Du hattest vorher noch nicht viel von uns gehört und bist nach der Meinung eines anderen gegangen. Und dankbarerweise haben wir an diesem Abend anscheinend viel richtig gemacht. Wir hatten damals noch nicht mal ein Album veröffentlicht, nur unsere Singles, also war es eine komplette andere Situation verglichen zu heute. Wir zielen aber auf jede Art von Reaktion ab. Es muss kein Lächeln sein. Es kann auch einfach sein, dass jemand nachdem er uns gehört hat eine Gitarre in die Hand nimmt. Auch mit negativen Reaktionen können wir leben. Aber der Gig beim Camden Crawl hat mir damals auch wirklich gut gefallen.

Ich denke dir wird diese Frage relative oft gestellt. Aber wie kam es, dass ihr euer Album für nur einen Dollar im Internet verkauft habt? War es eure Idee oder wurdet ihr von irgendwem beeinflusst? Würdest du sagen, dass sich diese Aktion für euch gelohnt hat?

Es war unsere Idee und ich würde auch sagen, dass es sich letztendlich ausgezahlt hat. Viele Leute haben die Chance ergriffen ein neues Album von einer Band, die sie nicht gekannt haben, für nur einen Dollar zu kaufen. Es war mehr ein Marketingexperiment. Als wir das Album fertigstellten, hatten wir kein Label und verkauften es nur nach unseren Shows oder über unsere Website. Die Aktion war vielleicht ein Anstoß für einige, die von uns schon mal Notiz genommen hatten, das Album dann zu kaufen, um zu sehen wer wir denn so sind.

Würdet ihr diese Aktion bei eurem zweiten Album wiederholen?

Ich glaube nicht. Das nächste Album wird irgendwann nächstes Jahr erscheinen und die Situation ist dann eine andere. Wir sind dann etwas mehr etabliert und wir haben eine Fanbasis. Aber es gilt natürlich irgendwie noch mehr Menschen zu beeindrucken. Wir haben jetzt schon ein Album draußen und mehrere Singles. Die schwirren auch alle irgendwo im Internet herum. Mit dem zweiten Album muss man sich neue Fans erspielen oder sich wenigstens die alten Fans halten. Wir tun unser Bestes, um die Musik an den Mann zu bringen und spielen hoffentlich auch weiterhin gute Shows. Die Mund zu Mund Propaganda dieser Aktion war wirklich gut und das ganze ging auch wirklich ein Stück weiter, als wir das wirklich erwartet hatten.

Eure Musik wird oft mit Genies wie Beirut oder The Arcade Fire verglichen. Was bedeutet das für euch? Seid ihr stolz darauf oder scheut ihr derartige Vergleiche?

Wir sind definitiv stolz darauf. Denn diese Bands hören wir selbst und die Musik ist ein Genuss. Es ist wirklich nicht schlimm. Es ist gut mit derartigen Bands irgendwie verbunden zu werden. Aber man kann auch nicht sagen, dass diese Bands großartigen Einfluss auf uns hatten. Ich persönlich kam auf Arcade Fire erst zwei Jahre nach der Veröffentlichung von Funeral. Ich war also richtig spät dran. Auf Beirut kam ich erst, nachdem ich in einem Club in London war. Der DJ spielte „Postcards from Italy“ und ich fragte ihn wer denn die Band sei. Danach hatte ich Beirut für mich entdeckt. Aber es ist gut mit diesen Namen in einem Atemzug genannt zu werden. Die genannten Bands sind aber riesig und wir sind wirklich einige Ebenen von ihnen entfernt.

Ihr habt richtig gute Kritiken für “Reservoir” bekommen. Was bedeutet es für euch, wenn eine Zeitschrift wie der NME euch eine 8 von 10 gibt oder wenn eine Zeitung wie die Times euch als aufregende neue Band beschreibt? Hat das irgendeinen Einfluss auf euch oder legt ihr auf Kritiken keinen Wert?

Du sprichst gerade zu einer von zwei Personen aus der Band, die Reviews liest. Die anderen interessiert es nicht wirklich. Die anderen deuten zu viel in diese Reviews hinein. Ich lese positive wie auch negative Reviews. Manchmal sind die negativen natürlich auch berechtigt, weil wir vielleicht keine gute Show gespielt haben. Es gibt auch Reviews, die sind einfach nur schlecht geschrieben und ich kann gar nicht sagen, ob es nun negativ oder positiv für uns ist. Wenn jemand dieses Review lesen würde, dann könnte er sich absolut keine Meinung bilden. Musikjournalismus ist generell nicht einfach. Aber eigentlich ist es egal, ob die Kritik positiv oder negativ ist, denn der Name der Band wird in der Zeitung oder auf der Website erwähnt. Aber wenn die Leute wie ich sind, dann lesen sie nicht nur ein Review, sondern mehrere. Oder sie fragen noch ihre Freunde und bilden sich dann eine eigene Meinung in welche Kategorie Fanfarlo passt oder ob wir gut oder schlecht sind. Aber es ist natürlich immer gut, wenn eine gute Kritik veröffentlich wird. Ich glaube es hilft. Aber ich lese auch gar nicht so oft in der Musikpresse, wie ich das früher mal getan habe.

Wie kam es überhaupt, dass ihr so vielfältige Instrumente wie Akkordeon, Klarinette oder Mandoline benutzt? War das von Beginn an geplant oder war es eine natürlich Entwicklung und ihr habt euch irgendwann einmal gesagt, dass diese Instrumente doch ganz gut zu euch passen würden?

Simon ist in Schweden aufgewachsen und während dieser Zeit war er von diesen Instrumenten umgeben. Er hatte ein Saxophon und er hatte auch ein paar Pianostunden. Irgendwo war da sicher auch eine Mandoline. Er ist mit diesen Instrumenten in seinem Haus groß geworden. Es war also nicht geplant, sondern ein ganz natürlicher Prozess. Cathy hat Violine in der Schule gelernt. Ich habe noch nie Stunden genommen und meine Eltern haben auch keine Instrumente gespielt. Also ist das schon eine andere Richtung aus der ich kam. Ich habe jedoch schon immer Bands gemocht die Streichinstrumente benutzen. Aber Simon und ich können uns eigentlich auf eine Band einigen die unsere Richtung grundlegend geändert hat und das sind Belle & Sebastian als sie ihre ersten Alben veröffentlichten. Sie haben irgendwie sehr akustisch geklungen, haben aber elektronische Elemente eingebaut und auch Trompeten etc. benutzt. Und da wäre da vielleicht noch Neutral Milk Hotel als Einfluss zu nennen.

Habt ihr eigentlich gute Freunde im Musikgeschäft? Also Leute mit denen ihr auch privat etwas unternehmt?

Freunde im Musikbusiness? Da ist eine Band mit der wir uns den Proberaum in London teilen. Die heißen Stricken City. Oder beispielsweise auch Lawrence Arabia, mit denen wir schon in den Staaten getourt sind. Daher kennen wir sie auch ganz gut. Wir sind schon relativ lange nicht mehr in London gewesen, da habe ich jetzt die Namen vergessen von den Bands mit denen wir normalerweise rumhängen. Wir haben auch viele einzelne Musiker als Freunde. Damals haben wir uns eine Dame namens Pamela von einer Band aus New York geborgt, denn sie spielte Harfe und Violine. Sie war mit uns für ein paar Shows unterwegs. Wir werden auch von denselben Leuten gemanagt wie Sigur Ros und so haben wir Jónsi kennengelernt. Ihn habe ich dann auch etwas später, als ich nach New York gereist bin, wiedergetroffen. Er hat ein Konzert dort gespielt und ich habe ihn gefragt, ob ich mal vorbeischauen könne. Das war natürlich kein Problem. Sein Freund spielt auch in seiner Band, so hab ich auch ihn kennengelernt. Es war eine kleine Reunion. Bei derselben Show war auch noch Peter Katis, der unser Album und die Alben von The National und Frightened Rabbit produziert hat. Peter hat sich auch um Jónsis Album gekümmert. Es war auch ein uns bekannter Tontechniker dort. und dessen Freundin haben wir dann kennengelernt. Und über die Freundin haben wir wieder andere Leute kennengelernt. Es ist ein kleines Netzwerk. Aber du hast jetzt vielleicht irgendwelche höchstprominenten Menschen erwartet von denen ich erzähle.

Ja, zum Beispiel Lady Gaga…

(lacht) Wir haben letztens Duffy getroffen. Sie war beim South by Southwest im selben Raum wie wir. Ich habe sie gekannt, da sie schließlich den Nummer 1 Hit in England hatte. Leon kannte sie aber nicht. Er setzte sich neben sie und fragte, ob sie denn eine Show heute spielen würde oder was sie sonst machen würde. Sie antwortete, dass sie in einer Stunde spielen würde. Und Leon fragte wiederrum in welcher Band sie denn sei. Sie sagte dann, dass sie in der Band spiele, die genauso heiße wie sie – Duffy. Ich habe das nur aus den Augenwinkeln gesehen und musste lachen.

Was für Musik hörst du gerade auf deinem Ipod?

Ehrlich gesagt habe ich meinen Ipod zuhause vergessen für diese Tour. Mal Ich habe in letzter Zeit oft eine Band aus Ohio gehört. Die heißen Buffalo Killers. Ich kenne sie auch noch nicht so lange, habe sie aber beim Glastonbury-Festival gesehen und gleich gemocht. Dann höre ich gerade noch einen norwegischen Sänger und Songwriter relativ häufig. Gonzalez wäre da auch vielleicht noch zu nennen. Ich denke auch gerade darüber nach zu was ich letztens eingeschlafen bin. Es war irgendetwas Älteres. Ich glaube Gene Clark.

Den Track “The Walls Are Coming Down” hat man in letzter Zeit öfter im Fernsehen im Rahmen eines Canon-Werbespots bewundern dürfen. Und andere Songs von euch wurden für erfolgreiche Serien wie House oder Greys Anatomy benutzt. Wie fühlt sich das an? Seht ihr es als Chance an eure Musik einer breiteren Masse an Menschen zugänglich zu machen oder habt ihr auch die Angst, dass eure Fans denken ihr seid zu kommerziell?

Also ich habe Angst davor und ich mache mir Sorgen um solche Geschichten. Aber auf Tour gehen ist teuer und nur mit Albumverkäufen können viele Bands sich das heute nicht mehr finanzieren. Aber das war nicht wirklich der Grund, warum wir unsere Musik für House und Greys Anatomy zur Verfügung gestellt haben. Der Grund war einfach, dass schon so viele großartige Künstler, wie zum Beispiel Bon Iver, für diese TV-Shows ihre Musik hergegeben haben und ich auch mit diesen TV-Shows aufgewachsen bin. Manchmal haben sie auch nur einen Künstler für eine ganze Episode. Wir hatten so etwas noch nie vorher gemacht und wollten es einfach mal ausprobieren. Es war eine neue Erfahrung und ich hatte wirklich keine Ahnung, wie die Leute darauf reagieren würden. Normalerweise denkt man, dass vielleicht 15 Sekunden von dem jeweiligen Song gespielt werden, aber dann wird in einem Teil der Episode der Chorus gespielt und einem anderen Teil vielleicht das Ende des Songs. Der Song wird dadurch verändert und das ist irgendwie bizarr zu hören. Die Sache mit dem Werbespot ist auch keine Sache die ich richtig genieße. Aber wir haben uns aus zwei Gründen dafür entschieden. Zum einen sollten die Lyrics nicht in dem Werbespot verwendet werden und sie wollten ein Stück aus dem Song haben, der sehr einzigartig war. Das hat das Ganze so interessant gemacht. Viele Leute reden natürlich davon, dass man seine Musik bestimmten Produkten aussetzt und die Musik dann damit verbunden wird. Aber wir wollen nicht jeden Werbespot machen der uns angeboten wird. Und das waren schon ein einige. Wir haben uns entschieden das Geld des Werbespots in eine neue Tour zu stecken. Es war also eine finanzielle Entscheidung. Und wir benutzen schließlich auch alle Digitalkameras, also hat das Ganze auch irgendwie Sinn gemacht. Zu Ölfirmen oder dergleichen würden wir natürlich nein sagen, da wir uns einfach nicht wohl dabei fühlen würden. Wie du vielleicht schon weißt haben wir auch einen komplett neuen Song dem Soundtrack von „Twilight Eclipse“ zur Verfügung gestellt, der in ein paar Wochen erscheint. Das war wieder etwas komplett anderes. Viele Leute sagen auch hier, dass das ein Ausverkauf der Band sei oder dass es komplett falsch sei so etwas zu tun. Aber von der Publicity-Seite her ist es gerade das Beste, was einer Band angeboten werden kann. Es sind nur 15 Bands auf dem Soundtrack vertreten und „Twilight“ ist eine riesige Sache. Da wäre es doch verrückt nein zu sagen. Wir sind immer noch eine neue Band für viele Leute. Wir erhoffen uns natürlich, dass die Leute unseren neuen Song „Atlas“ hören werden und dann eventuell auch auf unser Album aufmerksam werden. Ich habe vorher auch noch nie einen Twilight-Film gesehen oder ein Buch davon gelesen. Ich musste erst meine Schwestern fragen, um was es geht. Es ist einfach ein Weg unsere Musik an die Leute zu bringen. Aber ich mag Soundtracks wirklich gerne. Ich habe Soundtracks von denen ich den Film nie gesehen habe. Ich habe eine Version von The Breeders, wo sie einen Hank Williams Song singen und sie haben es auf einem Soundtrack platziert. Über einen Soundtrack bin ich auch erst auf viele andere Bands gestoßen. Wir haben wirklich viel darüber nachgedacht. Cathy war sich der Bedeutung dessen vielleicht gar nicht so bewusst. Sie musste sich erst einmal klar werden, dass nicht viele Bands diese Möglichkeit bekommen. Wir haben den Werbespot übrigens das erste Mal auf der Fähre auf den Weg hier her gesehen. Es war ein komisches Gefühl und ich wundere mich, ob Leute sich darum scheren wer diese Band ist. Es wird heutzutage so viel Arbeit in diese Werbespots gesteckt. Selbst bekannte Künstler und Regisseure sind involviert. Das ist schon beachtlich. Jónsi und Jose Gonzalez waren in letzter Zeit auch an interessanten Werbespots beteiligt. Der Regisseur von Alien Ridley Scott hat mal einen Werbespot über Brot für das englische Fernsehen abgedreht. Der ist dort heute noch bekannt.

Ihr seid einen langen Weg seit 2006 gegangen. Ihr habt viele Singles veröffentlicht und “Reservoir” rausgebracht. Ihr seid auch viel getourt. Erntet ihr jetzt die Lorbeeren für die viele Arbeit in den vergangenen Jahren?

Ich weiß gar nicht, ob die Dinge jetzt wirklich einfacher sind als vorher oder noch genauso hart. Wir haben sicher mehr Anhänger als vorher, was vieles einfacher macht. Damals im Jahre 2006 hat Cathy noch studiert und der Rest hatte Full-Time-Jobs. Es war damals hart die Band in den eigenen Lebensalltag unterzubringen. Bis 5 Uhr nachmittags arbeiten und dann nach der Arbeit bis spätabends Bandprobe und morgens dann wieder früh zur Arbeit. Das war nicht ganz einfach. Es gab einen Punkt an dem wir eben mit dem Full-Time-Job aufhören mussten, um uns voll und ganz auf die Band zu konzentrieren. Aber wir sind jetzt eigentlich genauso lange am Tag unterwegs wie vorher auch. Und dann gehen wir auch wieder nachhause, um unsere Eltern und Freunde zu sehen. Wir verbringen natürlich viel Zeit mit touren und proben. Die Stunden sind dadurch irgendwie länger. Aber wir tun all das für den Moment auf der Bühne.

Ich glaube über das nächste Thema könntest du sicherlich stundenlang sprechen. Aber wie siehst du die Musikszene im Vereinigten Königreich?

Amos: Das ist eine gute Frage, denn ich war länger nicht zuhause. Ich könnte dir wahrscheinlich eher meine Meinung über die Musikszene in anderen Ländern mitteilen. Ich muss meine Freunde in dieser Hinsicht involvieren. Manchmal kommt eine Email in der dann zum Beispiel steht, ob ich mitkommen und Real Estate sehen will. Die halten mich dauernd auf dem Laufenden was passiert. Ich checke in dieser Hinsicht auch nicht regelmäßig das Internet, was ich vielleicht mal tun sollte.

Würdest du beim Aufnahmeprozess für das nächste Album irgendetwas anders machen? Bereut ihr etwas am ersten Album?

Nein, ich würde nicht sagen, dass wir irgendetwas falsch gemacht haben. Aber es sind einige Songs auf „Reservoir“, die wir jetzt bestimmt etwas umstrukturieren würden. „Luna“ wäre da so ein Beispiel, da wir diesen Song jetzt komplett anders spielen. Als wir ins Studio gegangen sind um „Reservoir“ aufzunehmen, waren „Luna“ und „Drowning Men“ relativ neue Songs und wir haben sie nicht oft genug gespielt, um sie nochmal anders zu arrangieren. Aber wir bereuen das nicht. Wenn wir nächstes Jahr ins Studio gehen haben wir umso mehr Erfahrung und wir werden in kreativer Hinsicht noch eigenständiger sein.

Wie steht es um das zweite Album? Schreibt ihr Songs oder seid ihr vielleicht schon im Aufnahmeprozess?

Wir schreiben Songs, nehmen sie aber noch nicht auf. Zwei von diesen neuen Songs, „Atlas“ ist einer davon, sind auch im neuen Set enthalten. Insgesamt haben wir ungefähr sieben neue Songs. Das neue Album wird dann im Laufe des Jahres 2011 erscheinen.

Vielen Dank für das Interview und viel Spaß bei der Show.

[Interviews] Anti-Flag

2010-12-18T13:48:00.000-08:00

Anti-Flag zählen seit einigen Jahren zu den politisch aktivsten und bekanntesten Punkmusikern aus den USA. Nachdem ihr kurzer Ausflug zum Majorlabel RCA mit durchwachsenen Gefühlen beendet wurde, brachte man vor kurzem das neueste Werk The people of the gun wieder auf einem Indielabel heraus. Benzol sprach mit dem ausgesprochen netten Frontmann Justin Sane im Wiesbadener Schlachthof über Plattenfirmen, Videospiele, Großunternehmen und natürlich: Politik.

Ihr habt vor Kurzem das Majorlabel RCA (Sony) verlassen und euer aktuelles Album „The people of the gun“ auf Sideonedummy veröffentlicht. Wie kam es zu diesem Schritt? Seid ihr mit der Arbeit bei RCA nicht zufrieden gewesen?

Nun, als wir bei RCA unterschrieben haben, hatten wir uns lediglich auf einen Zwei-Platten-Vertrag geeinigt. Das lag daran, dass wir ein Majorlabel nicht zu unserem langfristigen zu Hause machen wollten. Wir haben im Vorfeld gedacht, dass es für unsere Arbeit einige Vorteile hat wenn wir mit einer großen Plattenfirma zusammenarbeiten. Speziell ging es darum im Bereich der Majorlabel eine neue Stimme auf den Tisch zu bringen und generell die Debatte, in welche Richtung die USA als Land sich bewegen soll, voranzutreiben. Als wir diesen Vertrag unterschrieben haben, gab es einfach überhaupt keine Band im Bereich der Majorlabels die ausdrücklich „Anti-War“ war. Wir hatten also die Möglichkeit zu RCA zu gehen und genau diese Stimme zu sein. Wir fühlten, dass wir im der Welt der Independentmusik alles gegeben hatten was wir konnten. Und die große Plattform für den nächsten, größeren Schritt konnte uns dann letztendlich nur eine große Plattenfirma geben. Wir waren natürlich auch sehr vorsichtig was wir für einen Deal bekommen, da wir auf keinen Fall für immer dort hängenbleiben wollten. Wenn es uns richtig, richtig gut gefallen hätte, dann wären wir auch sicherlich bereit gewesen noch länger zu bleiben. Und um das einmal klar zu stellen: Ein Majorlabel ist nicht grundsätzlich schlecht. Ich habe dort mit vielen coolen Leuten zusammengearbeitet, die meine Arbeit sehr respektiert und gefördert haben. Das Problem ist einfach, dass die Leute mit denen du zu Beginn arbeitest mit der Zeit dort nicht mehr arbeiten.

Also hatte sich euer Arbeitsumfeld und das Team mit dem ihr zusammengearbeitet geändert?

Ja, das hat es. Exakt. In diesem Bereich des Musikbusinness ändern sich die Konstellationen in Lichtgeschwindigkeit. Wir bauen nun einmal gerne Beziehungen zu Leuten auf und wollen diese Beziehungen dann auch über eine längere Zeit behalten. Und genau das was du sagtest ist passiert: Die ganzen Leute mit denen wir zuvor so super zusammenarbeiten konnten waren weg. Einige wurden gefeuert, andere haben neue Aufgabenfelder bekommen und andere wollten neue Karriereziele verfolgen. Bei Majorlabels ist diese Quote an „Aussteigern“ ziemlich hoch, da das Musikbusiness ein sterbender Schwan, bzw. ein sinkendes Schiff ist. Wir dachten, dass wir Leute gefunden hatten die uns als Band und unsere Ziele verstehen und die mit uns gerne zusammenarbeiten wollen. Und dies war ja auch der Fall. Sie waren super nett zu uns und es hat auch wahnsinnig gute Früchte getragen. Sie haben uns zum Beispiel sehr unterstützt, was Charity-Geschichten angeht. Auch im Bereich der medialen Präsenz haben wir sehr viel Unterstützung bekommen und plötzlich habe ich zum Beispiel der New York Times ein Interview gegeben. Nun konnten wir unsere Meinung eben sehr stark öffentlich machen. Ich sagte zum Beispiel dem Interviewer: „Es war eure Zeitung die darin versagt hat, den Mächtigen auf die Finger zu schauen und Amerika vom Irakeinsatz abzuhalten. Eure Zeitung ist das Problem.“ Du siehst: Mir wurde die Möglichkeit einer Plattform und eines Dialoges gegeben, der zuvor nicht möglich war. Und genau das war der Grund, warum wir auch zu einem Majorlabel gegangen sind. Wir hofften, dass dadurch einige Leute ermutigt werden auch einmal Stellung zu beziehen und sich uns anzuschließen. Denn einer muss ja immer den ersten Schritt machen.

Verstehe. Was hat der Mitarbeiter der New York Times eigentlich auf deine Anschuldigungen geantwortet?

Nun, er war ja nur ein Reporter. Also hat er sich das angehört und es niedergeschrieben (lacht).

Wurden deine Aussagen denn abgedruckt?

Puh, ich glaube schon. Zumindest im Onlinebereich. In die Zeitung hat es mein Statement wohl nicht geschafft (lacht). Aber trotzdem finde ich es erstaunlich, dass ich solche Anschuldigungen machen kann und es trotzdem veröffentlicht wird. Und da wären wir wieder bei den Vorteilen des Majorlabels. Weißt du, leider ist es im Amerika so, dass man den Indiebands keine wirkliche Glaubwürdigkeit zugesteht und sie nicht ernst nimmt. Als wir bei RCA landeten hieß es auf einmal: Oh, auf dem Label sind auch die Foo Fighters und dort kam schließlich auch die erste Platte von Elvis raus. Denen muss man einmal zuhören. Leider waren wir zu diesem Zeitpunkt nicht wichtiger, als in den Jahren zuvor wo wir auf Indielabels vertreten waren.

Die Eastpack Antidote Tour wird ja – wie der Name schon sagt – von einem großen Unternehmen gesponsert. In Europa ist diese Form der Konzertgestaltung noch relativ neu, in den USA aber völlig normal – siehe die Warped Tour. Wo siehst du selbst die Vor- und Nachteile einer solchen Zusammenarbeit? Spürst du den Einfluss der Hauptsponsoren?

Weißt du, Eastpack ist dieses Ding glaube ich ziemlich egal. Ob sie eine Europatour mit Anti-Flag bewerben, oder die Tour von Britney Spears sponsern macht für die keinen Unterschied. Mir ist es aber nichtsdestotrotz lieber, wenn Eastpack seine Ressourcen in eine Show wie heute Abend steckt, wo wir eine Gemeinschaft aufbauen können. Wir sind zuvor zu Eastpack gegangen und haben gesagt: Schaut her, wir wollen nicht einfach eine Tour spielen, von einem Rucksackhersteller gesponsert werden und jeder kommt hier hin, lässt sich volllaufen und macht Party. Obwohl ich es natürlich vollkommen in Ordnung finde, wenn jemand meint viel Bier trinken zu müssen (lacht). Wir haben dem Unternehmen gesagt: Wenn ihr wirklich dabei sein wollt und Energie in diese Sache steckt, dann müsst ihr euch auch dementsprechend einbringen. Nun, jetzt spendet Eastpack in jeder Stadt in der wir spielen verschiedene Kleidungsstücke und Rucksäcke an Obdachlosenwohnheime oder eine Organisation unserer Wahl. Vor unserer Show können Fans zum Beispiel für 1 Euro mit uns Fotos machen und die dadurch eingenommene Kohle wird auch gespendet. Auf der einen Seite können wir einer Organisation damit Gutes tun und auf der anderen Seite machen wir die Kids damit vielleicht ein wenig auf solche Projekte aufmerksam. Das Geld ist knapp heutzutage und viele Organisationen kämpfen ums überleben. Das ist ja im Musikbereich nicht anders. Viele Bands machen eigentlich keine Umsätze mehr über Plattenverkäufe, sondern durch ständiges Touren. Wenn sie Glück haben und das zeitlich hinbekommen. Also, um noch einmal auf deine Frage zurück zu kommen: Wenn wir es schaffen, dass wir eine Firma als Sponsor dazu holen und es nicht um das Verkaufen eines Produktes geht, dann sind wir dabei. Wir wollen natürlich keine blinden Konsumenten sein.

Hat das Ende der Ära Bush es eigentlich schwerer für eine Band wie Anti-Flag gemacht? Immerhin ist ja jetzt ein relativ markanter und dankbarer Sündenbock weg.

Nun, ich denke niemand ist glücklicher als ich, dass George Bush weg ist. Also wir haben mit Sicherheit jetzt keine Probleme beim Schreiben von Liedern, nur weil Bush nicht mehr im Amt ist. Dafür gibt es einfach zu viele Probleme in dieser Welt. Ich wünschte, dass wir eines Tages keine Lieder mehr über Themen wie Kriegseinsätze oder Ungerechtigkeit schreiben müssten. Ich würde viel lieber Songs schreiben, die „Hundewelpen und Blumen“ heißen (lacht). Aber die Realität ist nun einmal, dass es viele Probleme gibt die man anpacken muss. Allein die Altlast die Bush hinterlassen hat: Zwei Kriege, ein weltweiter ökonomischer Zusammenbruch, Armut ohne Ende, Klimawandel und so weiter. Ich bin froh, dass Barack Obama gewonnen hat und nicht McCain. Ich glaube, dass Obama der Welt weniger Schmerz zufügen wird, als sein ehemaliger Konkurrent es getan hätte. Ich mache mir da aber auch nichts vor: Für mich ist Obama immer noch der Feind.

Sozusagen das kleinere Übel der Beiden?

Ja, auf jeden Fall. Ein kleineres Übel, aber immer noch Böse genug. Du kannst im Grunde genommen auch nicht Präsident der Vereinigten Staaten von Amerika werden und keinen Pakt mit dem Teufel schließen. Er ist natürlich jetzt auch in einer schlechten Lage: Jedes Mal, wenn er sich nicht an seine Versprechen hält, werden wir ihn öffentlich daran erinnern. Ich denke einfach, dass sein Gesundheitsprogramm absolut erbärmlich ist, da es ein Werbegeschenk an die Gesundheitsindustrie ist. Zudem hat er großspurig Klimaprobleme angesprochen, aber keinesfalls gehandelt. Er hat die Banker und die Firmen, die den wirtschaftlichen Zusammenbruch produziert haben, eigentlich nicht zur Verantwortung gerufen. Obama hat im Grunde genommen noch nichts gemacht. Viele rufen immer: Oh, aber er kann doch so toll mit Leuten umgehen! Aber darum geht es doch gar nicht. Das ist doch völlig nebensächlich. Obwohl Bush weg ist hat sich leider trotzdem nichts verändert. Ich wünschte Obama würde sagen: Diese Banker haben die komplette Welt abgezogen und dafür sollten sie auch in den Knast wandern. Wenn ich in einen Schnapsladen laufe und dort 200 Dollar aus der Kasse nehmen würde, dann würde ich im Gefängnis landen. Diese Typen haben normale Leute um Milliarden von Dollar betrogen und bekommen auch noch großzügige Bonuszahlungen. Ich sehe leider nicht, dass sich etwas geändert hat seitdem Bush weg ist. Es sieht jedoch zumindest so aus, als sei Obama ein wenig rationaler in seinen Handlungsweisen und ihm scheint das menschliche Leben ein wenig mehr wert zu sein. Damit meine ich, dass wir zum jetzigen Zeitpunkt nicht befürchten müssen in einen weiteren Krieg zu geraten. Mit John McCain wären wir jetzt wahrscheinlich auch im Iran. Also: Gibt es einen Unterschied? Ja! Ist Obama besser? Ja! Ist er deutlich besser? Nein!

Hattest du nicht am Ende der Bush-Ära Angst, dass die Aktivitäten in der Szene ein stückweit einfrieren könnten? Dass sich viele am Ende ihrer Arbeit sehen und ihr Engagement zurückfahren.“Obama hat gewonnen – dann lehnen wir uns zurück undwarten auf den angekündigten Wandel.“

Nun, wenn Obama gekommen wäre und all diese wundervollen Dinge gemacht hätte von denen er gesprochen hat, dann wäre ich jetzt ein großer Unterstützer von ihm. Wir haben an einer Petition mit Greenpeace gearbeitet, in der wir Obama auffordern zu der UN Klimakonferenz zu gehen. Ich wünschte ich müsste das alles nicht machen. Ich könnte auch gerne mit der Idee leben einen schönen, langen Urlaub zu machen. Aber so ist es nun einmal nicht gekommen.

Wie stark siehst du eigentlich den Einfluss von religiösen Gruppen in den USA? Ich meine hiermit christliche Fundamentalisten, die für das Unterrichten von Kreationismus anstatt der Evolutionstherorie an Schulen plädieren. An einigen Schulen wurde der Lehrplan ja schon nach ihren Wünschen gestaltet.

Ich würde das so erklären: Wenn eine Gesellschaft verzweifelt ist und sich nicht mehr zu helfen weiß, dann wendet sie sich magischen Dingen zu. Und das ist ja genau das was man derzeitig in den USA sehen kann. Es entsteht dort derzeitig eine sehr fundamentale Art, wie Leute auf alles Mögliche reagieren. Sie warten natürlich auch darauf, dass etwas Magisches kommt und ihnen ihre Probleme nimmt. Ein Resultat ist dann natürlich auch der Anstieg von religiösem Fundamentalismus. Ich glaube aber nicht, dass es jetzt unbedingt extremer geworden ist. Es hat sich lediglich verbreitet. Aber das sieht man ja auf der ganzen Welt: Wir haben Prediger, die den Koran als Buch des heiligen Krieges propagieren und dazu aufrufen alle Ungläubigen zu töten. Ich denke wir müssen verstehen, dass diejenigen, die religiösen Fundamentalismus predigen – sei es in Amerika oder in Saudi-Arabien – diese Predigten lediglich dafür benutzen, um andere Menschen zu kontrollieren. Sie wollen dadurch Andere ausnutzen, um somit in den Besitz von Macht zu kommen. Wir sollten uns also durchaus bewusst werden, dass der Feind zu Hause und gleichzeitig auch im Ausland existiert. Alle sollten versuchen zusammen dieser Form der Manipulation und Unterdrückung entgegenzustehen. Genau dieses Thema bringen wir ja auch in dem Lied Sodom, Gomorrah, Washington D.C. auf unserem neuen Album zur Sprache.

Ist euer „military free-zone“-Projekt eigentlich gut angekommen? (Anm. d. Red. Dieses Projekt setzt sich gegen Anwerbungsversuche der US-Armee an amerikanischen Schulen und Universitäten ein.)

Oh ja! Dieses Projekt wurde zum Beispiel durch unseren Majorlabel-Deal mit RCA ermöglicht, da man uns dafür eine Menge Geld zur Verfügung gestellt hatte. Da wurde uns auch zum ersten Mal richtig klar, dass ein großes Label solchen Ideen einen enormen Schub in Richtung Umsetzung geben kann. Das Militär hat Milliarden Dollar zur Verfügung, die es für Werbung ausgeben kann und dann kommt so eine vergleichsweise kleine Band wie Anti-Flag an und wehrt sich dagegen. Es ist natürlich sehr, sehr schwer gegen eine Milliarden-Dollar-Maschine zu kämpfen. Aber die Resonanz gibt uns recht. Wir hatten letztens Kontakt zu einer Schule, an der jeder einzelne Schüler eine Petition unterschrieben hat, dass sie keine Anwerber vom Militär in der Schule haben möchten. Für viele arme Leute scheint die Armee die einige Option zu sein. Jedenfalls ist es die einzige Option, die sie für den Moment sehen. Und wenn sie dann verwundet oder kriegsgeschädigt aus dem Einsatz zurückkommen, dann geht es ihnen schlecht. Erst erzählt man ihnen noch was sie für Helden seien, und anschließend werden sie keineswegs wie Helden behandelt. Letztendlich hat deren Kampf ja mein Leben oder ihr Leben auch keinesfalls besser gemacht. Das Leben der Vorstände irgendwelcher großen Firmen, die in das Kriegsgeschäft mit eingebunden sind, allerdings schon.

Ich habe gelesen, dass ihr am kommenden Freitag in Köln gegen die Kölner Haie Eishockey spielt. Wie kommt ihr denn dazu?

(lacht) Oh je. Unser Bassist ist ein absoluter Fanatiker, wenn es um diese Sportart geht. Er ist quasi mit Hockey aufgewachsen und war auch selbst sehr, sehr gut. Leider kommen wir aus einer Stadt, in der sportliche Förderung und Förderung im Allgemeinen kein Thema war und ist. Somit konnte er, obwohl er sehr talentiert war, nicht weiter aufsteigen. Letztendlich ist er auch in ziemlich oft mit dem Gesetz in Konflikt geraten und Punkrock war das, was ihn schließlich aus dieser Sache herausgeholt hat. Dort hat er quasi die Unterstützung gefunden, die er zuvor immer vermisst hat. Nun, irgendwann kam dann einmal die Anfrage ob wir das mit dem Hockeyspiel machen möchten und da haben wir natürlich sofort zugesagt.

MTV versteigert derzeitig eine von euch handsignierte Guitar-Hero Gitarre. Was hältst du eigentlich von diesem Spiel? Glaubst du, dass es junge musikinteressierte Kinder dazu ermutigt, selbst die Gitarre zu lernen? Oder vermittelt das Spiel falsche Hoffnungen, was das Lernen eines Instrumentes angeht?

Als ich ein Kind war habe ich Videospiele geliebt. Und das tue ich auch immer noch. Auf der einen Seite denke ich, dass einen manche Videospiele für den Krieg trainieren und auf der anderen Seite will ich nicht so streng sein. Ich will einfach nicht der spielverderbende Erwachsene sein, wie mein Vater es früher bei mir war (lacht). Viele scheinen Spaß an diesem Spiel zu finden und ich denke auch, dass Guitar Hero ein durchdachtes, gutes Spiel ist. Ich selbst spiele es überhaupt nicht. Wenn du selbst richtige Gitarre spielst, dann ist Guitar Hero einfach nur langweilig. Das ist meine Meinung. Aber es ist nun einmal ein Videospiel und es geht um Spaß. Auf der anderen Seite weiß ich nicht, ob es Kids wirklich ermutigt ein Instrument in die Hand zu nehmen und es zu lernen. Ich würde vorsichtig schätzen: Ja. Aber wenn du wirklich Musik liebst und Musik machen willst, dann wird die Entscheidung, ob du ein Instrument lernst oder nicht, sicherlich nicht von Guitar Hero beeinflusst. Es könnte sicherlich die ein oder andere Person ermutigen, aber das wird einen sehr, sehr geringen Teil ausmachen. Es führt Kids auf jeden Fall in unterschiedliche Musikstile ein und stellt ihnen Bands vor, die sie zuvor noch nicht kannten. Und das ist super, wie ich finde.

Letzte Frage. Auf eurem Album „The Terror State“ singt ihr „Power to the peaceful“. Würdest du dich selbst als einen Pazifisten bezeichnen?

Nein, eigentlich nicht. Eine aus der Band sind es wahrscheinlich, aber ich selbst glaube an Selbstverteidigung und denke auch, dass wir die Gemeinschaft in der wir leben sichern müssen. Ich bin der letzte Typ, der einen Kampf vom Zaun brechen würde, aber wenn mich und meine Freunde jemand bedroht, dann werde ich mich auch verteidigen. Ich denke auch, dass jeder das Recht dazu haben sollte. Zwar sollten alle friedlich und respektvoll mit einander umgehen, jedoch kommt irgendwann sicherlich einmal die Situation, in der das Ausüben von Gewalt „legitimiert“ ist. Aber ich bin fest der Überzeugung, dass dies der letzte Ausweg sein sollte und ich versuche auch nach diesem Grundsatz zu handeln und zu leben.

Ein schöner Schlusssatz. Danke Justin, dass du dir die Zeit genommen hast.